Эксклюзив

Бюро, Франция, Париж, Фирма "Поль Сормани" ("Paul Sormani"), 1868-1876 годы.

Розовое дерево, палисандр, эбеновое дерево, маркетри с растительно-цветочным орнаментом.

Бронза, литьё, чеканка, золочение.

Размеры: 134 х 78 х 35 см.

Производство эксклюзивной мебели Сормани являлось семейным делом. Дизайн, высокое качество исполнения и внимание к деталям поставили его в высший эшелон парижских производителей мебели. В мастерской Сормани работали одаренные и высококвалифицированные дизайнеры, в числе которых Эжен Приньо. Приньо был дизайнером прекрасного кабинета в стиле Людовика XVI, который был представлен на выставке в Париже в 1867 году. Расцвет производства фирмы произошёл в 1850-х годах, но большая часть мебели имеет адрес Rue Charlot, что указывает на то, что она была произведена после 1867 года.

В том же году фирма была удостоена серебряной медали на выставке в Париже. В экспозиции выставки был представлен шкаф в стиле ренессанс, разработанный Эдуардом Ливром, Фирма Сормани наряду с «эксклюзивной мебелью» производила также небольшие предметы класса люкс из позолоченной бронзы: чернильницы, канделябры и вазы.

После смерти Поля Сормани в 1877 его вдова взяла на себя управление фирмой. С этого времени к названию она добавила слово «вдова». В это время к ней присоединился старший сын Поль-Чарльз.Другой сын Анри Альфред стал работать с братом после смерти матери в 1883 году. Анри Альфред был указан в справочнике Келли за 1897 год. В 1893 году фирма Сормани выставила витрину в стиле Людовика XV с тремя панелями, изображающими сцены романтического сада в технике лак Мартан. К 1900 году фирма Сормани была хорошо известна за рубежом, особенно в Нью-Йорке. Она позиционировала себя как создателя «художественного ремесла» воспроизводства мебели с бронзой в стилистике Людовиков XIV, XV, XVI.

Моделью, скопированной Сормани, был знаменитый письменный стол, который затем размещался в министерстве Морской Пехоты. Считалось, что эти письменные столы в стиле Людовика XV с необычным лейблом «P Sormani Paris for Geo.A. Glaenzer New York” были из особняка Фридриха В. Вандер-Билта в Гайд-Парке, Нью-Йорк.

Особенным клиентом фирмы Сормани была принцесса Маргарет Савойская, в последствии она стала королевой Италии. Принцесса много путешествовала. Совершала частые поездки в Париж, посещая фирму Сормани и приобретая предметы интерьера. Она отдавала предпочтение Сормани в отличии от других знаменитых мебельщиков (Аликс, Жиру и Цвинер) и оставалась клиентом фирмы около 50 лет.

Среди клиентов (в 1920-х годах) можно отметить российского, а в последствии и американского Нефтяного магната Галуста Гюльбенкяна, который владел нефтяной добычей в Баку. В то время он считался самым богатым человеком в мире.

Декоративная ваза из мрамора с бронзовым орнаментальным и скульптурным декором, Франция, Париж,1860-1880-е годы.

Мрамор «брекчия», полировка, бронза, литье, патинирование.

общая высота – 66 см.

Великолепная красно-коричневая мраморная ваза со скульптурным декором из патинированной бронзы в виде двух фронтально расположенных на плечиках и шейке сатиров, держащих цветочные гирлянды. Съемная крышка, венчик горла, плечики и подставка мраморной вазы украшены бронзовым литьем в виде шишки пинии, листьев аканта, лиственного венка и бронзовых жгутиков. Ваза выполнена в помпезной дворцовой манере «второго ампира», наиболее популярного художественного стиля периода Второй Империи времени правления французского императора Наполеона Ш (1848-1870).

ЗАРЕЗЕРВИРОВАНО

Подиумы парные в стиле Буль, Франция, середина XIX века.

Дерево, инкрустация: черепаха, латунь, бронза, литье, золочение.

Размеры:

Высота - 109 см.

Поверхность - 36,3 x 36,3 см.

Максимальный размер поверхности - 42,5 x 42,5 см.

Ваза декоративная с жанровой росписью, Италия, Савона, 1722 год, роспись Джованни Агостино Ратти (1699-1775 годы).

Майолика, ручная роспись кобальтом по сырой белой глазури, лепнина, скульптурный декор, бесцветная глазурь.

Общая высота - 56 см.

Автор росписи - Джованни Агостино Ратти, 1699-1775 годы.

Декоративная ваза с ручной сюжетной росписью на тулове, имеющая на крышке в фигурном картуше автограф широко известного художника-живописца Джованни Агостино Ратти и дату изготовления - 1722 год, является уникальным предметом итальянского декоративно-прикладного искусства первых двух десятилетий XVIII века.

Внешняя поверхность вазы покрыта жанровой сине-кобольтовой росписью по белому фону. Роспись представляет собой сложный синтез античной мифологии библейской темы и некоего исторического события.

С одной стороны вазы на тулове изображена сцена ожесточенной битвы всадников под крепостными стенами города. На другой стороне - на фоне идеализированного итальянского холмистого пейзажа показана молодая пара возлюбленный, с яблоком в руках (у девушки).

Сверху над ними на горловине вазы роспись в виде пухлых амуров в облаках, пускающих вниз стрелы. На крышке изображен растительный декор и картуш с маркой керамической фабрики в виде "Звезды Давида" и литерой "S" (Savona), нижней части по периметру надпись латиницей с датой, которую можно перевести как "Агостино Ратти сделал в Савоне 1722".

Латинская литера "S" в центре в соответствии с научными данными справочной литературы (марочниками по керамике) данная марка относится к старейшей керамической фабрике Савоны, основанной в начале 17 века художником Джианом Антонио Твидобоно (1631-1685) из Кательново в Ломбардии.

Известно, что в XVII-XVIII веке именно Савона стала крупнейшим центром производства майолики и фаянса в Италии.

Декоративная ваза с жанровой росписью Д.А. Ратти (1699-1775) представляет историко-культурное, художественное, музейное и коллекционное значение.

Настольный кабинет для кунсткамеры или кабинета редкостей, Германия, Аугсбург(?), середина - вторая половина XVII века.

Черное (эбеновое дерево), тонированный орех, железо, слоновая кость, тонированная гравировка, инкрустация, столярно-токарная работа, частичная фанеровка.

Размеры:

Высота – 40.5 см.

Длина – 40.5 см.

Ширина – 27.5 см.

Кабинет настольный для кунсткамеры представляет характерный для своего времени предмет мебели домашнего интерьера, в частности для кабинета редкостей и разного рода коллекций и диковинок, в более позднее время - для мужского рабочего кабинета, библиотеки, домашнего музея. Выполненный европейскими мастерами в барочно-ренессансной манере середины-второй половины XVII века кабинет смотрится очень компактным изделием и в то же время за счет многочисленных ящичков и потайных отделений он очень вместительный для различных небольших вещиц и ценностей, коллекций, минералов, бумаг, писем, монет и медалей.

Как и вся мебель периода барокко деревянный шкаф-кабинет имеет сложную, симметричную, декоративную отделку с использованием многочисленных профилированных и разноформатных филенок со вставками из гравированной слоновой кости, гравированных костяных колон, цоколей, точеных костяных балясинок, что делает конструкцию предмета и все его поверхности рельефными и художественно выразительными.

С внешней стороны распашных дверок, в центральных многогранных филенках на костяных пластинах (вставках) гравированное изображение фигур античной богини охоты Дианы с луком и покровителя искусств Аполлона с кифарой, окружённых орнаментальными композициями с гротесками в духе позднего итальянского Возрождения. Внутри кабинета и его распашных дверок, на внутренней части навершия-крышки от его верхнего потайного ящика – многочисленные профилированные филенки разных форм с костяными пластинками-вставками, на которых присутствует пышная гравировка в виде гротесков, вазонов, гротесков с включением мифологических существ и птиц с растительной орнаментацией, гротесков с круглыми медальонами с изображением разных оплечных мужских и женских портретов. Под импровизированным портиком передней лицевой панели, на костяной пластине центрального ящичка гравированное изображение античного божества (возможно, Венеры), стоящей под куполом шатра или беседки с висящей драпировкой и расположенными в разные стороны двумя грифонами. Декоративные слоновой кости колонны внутреннего портала и костяные вставки всего фасада шкафа-кабинета также декорированы гравировкой в виде гротесков с пышными формами полуторсов женских мифологических существ.

Начиная с XVI века непременным элементом парадной обстановки аристократических жилищ (дворцов), а несколько позднее и домов состоятельных и очень зажиточных слоев городского населения стали шкафы- кабинеты (подобные рассматриваемому предмету), которые богато декорировались. Такие кабинеты высоко ценились, нередко дарились друг другу как ценный подарок.

Увлечение шкафами-кабинетами было настолько велико, что они стали изготавливаться во многих странах Западной Европы и имели всегда узнаваемый внешний вид и внутреннюю конструкцию. Аналогичные рассматриваемому шкафу-кабинету предметы мебели делались в XVI, XVII, начале XVIII веков в разных странах Западной Европы – прежде всего в Италии (Рим и Флоренция), Германии (Аугсбург), Фландрии (Антверпен). Это были дорогие предметы интерьерной обстановки, так как такая мебель изготавливалась из экзотических материалов с применением сложных декоративных техник отделки (красное и эбеновое дерево, перламутр, цветная каменная мозаика, маркетри, слоновая кость, разные металлы, цветное стекло, инкрустация, гравировка, литье, резьба, позолота и др.).

Данный кабинет является очень редким предметом мебели барочной эпохи с детально продуманным художественным решением, дорогими материалами и техниками изготовления. Предмет имеет очень хорошую сохранность; сохраняет свою функциональность, за счет своего необычного и декоративного внешнего вида может быть великолепным историческим кунштюком в современном интерьере.

Имеет историко-художественную, культурную, музейную и коллекционную ценность.

Пласт "Портрет пожилой женщины", Россия, Императорский Фарфоровый Завод, 1838 год, Тычагин А.И.

Фарфор, надглазурная роспись.

Размер без рамы: 24 х 18 см.

Размер в раме: 43 х 36,5 см.

Автор модели - Тычагин Александр Иванович.

В правом нижнем углу черная надглазурная подпись исполнителя росписи: "Ученик А.Тычагин. 1838."

Тычагин Александр Иванович происходил из семьи потомственных мастеровых. В 1826 году он поступил в школу при заводе, в 1830 году стал учеником живописи, в 1838 году произведен в подмастерья, а в 1854 году Тычагин Александр Иванович был назначен мастером живописи. Работы художника представлены в ряде музеев страны. В частности, в Государственном Эрмитаже находится одна из его лучших работ - копия картины Х.- В.- Э. Дитриха "Еврейка", а также две вазы, расписанные по оригиналам А. Кауфман(1850-е годы). (См.: монография Т.В. Кудрявцевой, "Русский Императорский фарфор". Санкт-Петербург, 2003 год, стр. 264)

Пласт подписан автором с указанием года "1838". Именно в этом году художник был произведен в подмастерья, и рассматриваемый пласт был его конкурсной работой.

Наличие авторской подписи и года повышают привлекательность пласта для собирателей и он, бесспорно, представляет историко-художественную, коллекционную и музейную ценность.

ИФЗ первоначально именовался «Невской порцелиновой мануфактурой», с 1765 - Императорский фарфоровый завод, с 1917 - Государственный фарфоровый завод (ГФЗ - аббревиатура клейма). С 1924 года - Ленинградский фарфоровый завод. В 1925 году заводу в связи с 200-летием Российской академии наук было присвоено имя М.В. Ломоносова; предприятие получило официальное наименование - Ленинградский фарфоровый завод имени М.В. Ломоносова, наряду с которым имела употребление краткая форма - Ломоносовский фарфоровый завод (ЛФЗ - аббревиатура клейма истолковывалась и как Ленинградский фарфоровый завод) - до 2005 года.

Скульптура "В раздумьи", Россия, Санкт-Петербург, Императорский Фарфоровый Завод, 1916 г., Вернер А.В.

Бисквит, формовка.

Высота - 56 см.

Автор модели - Вернер А.В., модель 1916 года.

Марка зеленая по бисквиту, исполнена по трафарету: Н II 1916.

Скульптурная композиция изображающая обнаженную женщину, сидящую склонив голову скрестив пред собой руки. Атрибутируется как произведение известной в конце ХIХ-го - начале ХХ-го века художницы Адели Васильевны Вернер (1865-1911)

В 1884-1892 гг. Адель Вернер обучалась скульптуре в Академии художеств в Петербурге. В 1892 за программную работу "Сусанна" ей была присуждена малая золотая медаль и звание классного художника. Вернер работала различных жанрах: создавала скульптурные портреты, декоративные аллегорические статуэтки, занималась живописью. Ее произведения представлялись на выставках в Академии художеств и «Санкт-Петербургского общества художников», публиковалась в журналах.

В 1903 году художница были приглашена к сотрудничеству Императорским Фарфоровым Заводом. За три года по заказам завода Адель Вернер исполнила ряд скульптурных моделей, осуществленных в бисквите и терракоте. В архивных отчетах и списках новых работ скульптурной мастерской Императорского завода названы семь произведений Вернер: "Христианская мученица", "Невольница", "Юность", "Усталость", "Отдых", "Благоденствие", "Флирт", "В раздумьях".

Последняя была выполнена в 1906 году для Императорского завода. Она включена архивный отчет завода с указанием автора модели, формовщика и зарисовкой скульптуры, исполненной заведующим скульптурной мастерской. Качество бисквитной массы, особенности моделировки, характерные следы швов на стыках деталей формы соответствуют эталонным экземплярам данной модели.

Работы Вернер представляют одно из направлений развития модерна, особенно ярко проявившегося в декоративной скульптуре. Для него характерно соединение традиций позднеакадемического ваяния с современным мироощущением, вкусами и психологией. Идеальный академический образ характеризуется в духе модерна. Академическая манера лепки сочетается с подчеркнуто декоративной трактовкой деталей. Модели Вернер представляют очень характерный, модных типаж женщины модерна в салонной интерпретации.

Скульптуры Вернер пользовались неизменной популярностью, они периодически воспроизводились в единственных экземплярах для представления Императорскому двору, подарков и украшения царских резиденций. Новые работы Вернер были воспроизведены в юбилейной монографии, изданной под руководством директора Н.Б. Вольфа к 250-ти летию Императорского завода. Экземпляр скульптуры "В раздумьях" хранящийся в собрании Государственного Эрмитажа опубликован в издании "Русский императорский фарфор"

ИФЗ первоначально именовался «Невской порцелиновой мануфактурой», с 1765 - Императорский фарфоровый завод, с 1917 - Государственный фарфоровый завод (ГФЗ - аббревиатура клейма). С 1924 года - Ленинградский фарфоровый завод. В 1925 году заводу в связи с 200-летием Российской академии наук было присвоено имя М. В. Ломоносова; предприятие получило официальное наименование - Ленинградский фарфоровый завод имени М. В. Ломоносова, наряду с которым имела употребление краткая форма - Ломоносовский фарфоровый завод (ЛФЗ - аббревиатура клейма истолковывалась и как Ленинградский фарфоровый завод) - до 2005 года.

Скульптура «Юность», Россия, Санкт-Петербург, Императорский фарфоровый завод, 1915 год, М. Диллон.

Фарфор, бисквит.

Общая высота – 72,5 см.

Автор скульптурной модели – известная в России и единственная профессиональная женщина-скульптор эпохи модерна Мария Львовна Диллон (1858-1932), работавшая в области аллегорической, портретной, мемориальной и декоративно-прикладной скульптуры. Ее наиболее известные работы связаны с созданием сентиментальных и романтических женских и детских скульптурных образов, которые становились широко известными благодаря активному участию художницы на всех крупнейших выставках в России и за рубежом. М.Л. Диллон создала целый ряд моделей камерной декоративной скульптуры для Императорского фарфорового завода в Санкт-Петербурге, которые выпускались в глазурованном фарфоре и бисквите. Во многих случаях, это были обнаженные женские фигуры в художественной манере позднего русского академизма вторая половина XIX века и модерна рубежа XIX-XX века. Скульптурная лепка «Юности» выполнена с большим натурализмом и характеризуется высоким уровнем профессионально-технического исполнения, тщательной проработкой фактурных деталей и великолепной свето-теневой моделировкой пластических объемов. На обороте подставки скульптуры имеется зеленая марка штампом – «Н II» под короной с датой «1913» и метка формовщика модели «А. Лукин», с внешней стороны подставки - авторское факсимиле «М. Диллон». Из архивных данных известно, что интерьерные скульптуры из фарфора или бисквита высотой более 50-70 см очень сложны в производстве и в начале XX века исполнялись на Императорском фарфоровом заводе в единичных экземплярах без какого-либо широкого тиража. Работы М.Л. Диллон, выполненные в мраморе, бронзе и чугуне хранятся в нескольких российских музеях - Государственном Эрмитаже, Русском музее, Третьяковской галерее, Екатеринбургском музее изобразительных искусств. Для российского антикварно-художественного рынка скульптура «Купальщица» является большой редкостью.

ИФЗ первоначально именовался «Невской порцелиновой мануфактурой», с 1765 - Императорский фарфоровый завод, с 1917 - Государственный фарфоровый завод (ГФЗ - аббревиатура клейма). С 1924 года - Ленинградский фарфоровый завод. В 1925 году заводу в связи с 200-летием Российской академии наук было присвоено имя М. В. Ломоносова; предприятие получило официальное наименование - Ленинградский фарфоровый завод имени М. В. Ломоносова, наряду с которым имела употребление краткая форма - Ломоносовский фарфоровый завод (ЛФЗ - аббревиатура клейма истолковывалась и как Ленинградский фарфоровый завод) - до 2005 года.

Стол в стиле модерн, Франция, фирма "Галле" ("Galle"), конец XIX - начало XX веков.

Дерево, резьба, инкрустация из ценных пород.

Размеры:

Высота - 75,5 см.

Длина - 70 см.

Ширина - 41 см.

Имеется подпись Галле.

Представленный стол опубликован в книге Alastair Duncan and Georges de Bartha "Gelle Furniture", Antique Collectors' Club Ltd., Woodbridge, Suffolk, 2012.

СССР, Гончаров А.Д., "Натюрморт с персиками", 1978 год.

Холст, масло.

Размер: 80 х 60 см.

По уровню исполнения и времени создания картины "Натюрморт с персиками" имеет коллекционное значение и представляет интерес для систематического собрания русской живописи XX века.

Андрей Дмитриевич Гончаро́в (1903—1979) — советский живописец и график, художник книги, театральный художник, педагог. Народный художник РСФСР (1979). Член-корреспондент АХ СССР (1973).

Андрей Дмитриевич Гончаров родился 9 (22 июня) 1903 года в Москве. Брал первые уроки по рисунку в частной студии К. Ф. Юона. В 1917—1919 годах учился в 59-й трудовой школе. В 1918 году поступил во вторые Государственные свободные художественные мастерские (бывшее Московское училище живописи, ваяния и зодчества), где сначала занимался в мастерской И. И. Машкова, а затем перешел в мастерскую А. В. Шевченко. В 1921 году поступил на графический факультет ВХУТЕМАСа, где учился по отделению гравюры на дереве у В. А. Фаворского.

С 1923 года постоянно работал иллюстратором в газетах, журналах, издательствах (Известия ЦИК, «Academia», «Молодая гвардия», ГИХЛ и др.). Участвовал в оформлении Всероссийской сельскохозяйственной и кустарно-промышленной выставки.

В 1924 году впервые выставился на Первой дискуссионной выставке объединений активного революционного искусства (Москва, Тверская ул., 54) в составе «группы трех» с А. А. Дейнекой и Ю. И. Пименовым. С 1925 года член Общества станковистов (ОСТ).

В 1927 году с отличием окончил графический факультет ВХУТЕМАСа (ВХУТЕИНа) со званием художника-полиграфиста. Начал преподавать в изостудии Фрунзенского отдела народного образования Москвы, на этнологическом факультете МГУ имени М. В. Ломоносова. В 1928 году участвовал во Всесоюзной полиграфической выставке.

В 1929-1930 годах — доцент ленинградского ВХУТЕИНа. В 1930—1934 годах — доцент МПИ. В 1934—1938 годах — доцент МГАХИ имени В. И .Сурикова.

Во время Великой Отечественной войны (1941—1945) служил в рядах РККА. Работал выпускающим редактором и художником в журнале «Фронтовой юмор» (издание 3-го Белорусского фронта), а затем главным художником выставки «Политработа в частях 3-го Белорусского фронта».

В 1947—1948 годах преподавал в Московском центральном художественно-промышленном училище на факультете монументальной живописи. В 1948—1979 годах преподавал в Московском полиграфическом институте, где с 1950 по 1974 год заведовал кафедрой рисунка и живописи.

В 1958 году Гончарову присвоено звание профессора.

В 1959 году Гончаров создал четыре главных панно для советской выставки в Нью-Йорке.

В 1960 году вышла в свет книга А. Д. Гончарова «Об искусстве графики», а в 1964 году — книга «Художник и книга».

В 1971—1979 годах Гончаров занимал пост председателя жюри Всесоюзного ежегодного конкурса «Искусство книги». Член-корреспондент АХ СССР (1973).

А. Д. Гончаров умер 6 июня 1979 года в Москве.

Произведения автора находятся в Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее и других музейных и частных собраниях.

Скульптура «Русская танцовщица» («Russian Dancer»), Франция, Париж, вторая половина 1920-х годов, Поль Филипп.

Бронза, литье, патина золотистого цвета, цветные лаки (элементы декора одежды и украшений), бразильский оникс (подставка).

Общая высота – 56,6 см.

Автор модели - Поль Филипп (1870-1930 гг.).

Скульптура изображает артистку Людмилу Шоллар (1880-1978) в балете "Клеопатра" 1911 г. Скульптором был создан почти фотографический портрет балерины.

Скульптура «Русская танцовщица», выполненная в стилевой манере французского ар-деко, является эффектным и рафинированным в своей художественной эстетике предметом европейского декоративно-прикладного искусства первой трети ХХ века.Его творчество и презентации работ на выставках Парижского Салона были чрезвычайно успешными и сам он считался крупным мастером декоративной скульптуры.Среди всех его женских скульптур, в том числе изображавших разных танцовщиц лучшими и наиболее знаменитыми считаются три работы: «Пробуждение» («Awakening»), «Вызов» («The Challenge») и «Русская танцовщица» («Russian Dancer»), модель которой была изготовлена в 1925 году. В силу своей популярности «Русская танцовщица» была изготовлена в нескольких вариантах - крупного, среднего и небольшого размера, а так же отлита полностью в бронзе и в сочетании бронзы и слоновой кости.

Каминные украшения (хранители огня) таганы парные, Франция, Париж, 1760-1770-е годы.

Бронза, литье, золочение, железо, ковка.

Размеры бронзовых деталей:

Длина - 38 см.

Ширина - 35 см.

Представленные парные таганы являются прекрасными образцами ранней французской художественной бронзы дворцового характера. Это функциональные, декоративно оформленные предметы ведут свое происхождение от средневековых железных решеток для дров, устанавливавшихся внутри каминов. С конца 18 в. они постепенно утрачивают свое первоначальное предназначение и превращаются в изящные скульптурные эелементы каминной декорации, стилистически единые с общей художественной структурой интерьера. Во второй половине 18 столетия золоченые бронзовые таганы со скульптурным декором являлись атрибутами исключительно дворцовых помещений и относились к разряду дорогих, эксклюзивных интерьерных предметов, выполнявшихся парижскими бронзовщиками штучно, на заказ.

Изящная пластика декоративных частей этих таганов несет яркий отпечаток стиля рококо в сочных декоративных мотивах и в трактовке женских образов, изображения которых украшены элегантными прическами по моде соответствующего времени.

Данные таганы - это эффектные и элегантные предметы французской художественной бронзы раннего периода царствования Людовика XVI и Марии-Антуанетты.

Зеркало вертикальное в раме с консолью, Россия, Санкт-Петербург, Мастерская Г. Гамбса, начало XIX века.

Дуб, красное дерево, лак, бронза, зеркальное стекло, мрамор.

Столярная работа, фанеровка, резьба, полировка.

Размеры зеркала в раме: 160,5 х 82,5 х 10 см.

Размеры консольного стола: 94,4 х 130 х 52 см.

Прямоугольное вертикально расположенное зеркало в раме, украшенной бронзовыми накладками по углам.

Нижняя часть - консольный стол с зеркальным задним поликом и передними сужающимися к низу опорами, декорированными бронзовыми гермами. Столешница выполнена из мрамора.

Кабинетная скульптура «Матрос» на овальной подставке, Франция, Париж, рубеж XVIII - XIX веков.

Бронза, литье, огневое золочение, патинирование темно-коричневого цвета.

Размеры: 24 х 18 х 10,7 см.

Длина - 18 см.

Высота - 24 см.

Ширина - 10,7 см.

Скульптура «Матрос» выполнена в стиле «bon sauvage», что означает в переводе с французского языка «добрый или благородный дикарь». Фигурка курчавого чернокожего матроса показана в характерном движении игры в «петанг», связанной с метким броском маленького шара.

По тематике сюжетных композиций бронза «bon sauvage» условно делится на три группы: первую составляют предметы с аллегорическими изображениями континентов Африки и Америки; вторую – изделия, иллюстрирующие известные литературные произведения 18-19 вв. («Робинзон Крузо» Д. Дефо, «Поль и Виргиния» Ж. А. Бернардена де Сен-Пьера, «Атала» Ф. Шатобриана); третья – включает вещи с сюжетными композициями бытового характера, представляющими чернокожих аборигенов в различных рабочих ситуациях. Эти эффектные по своей тематике изделия из бронзы выпускались во Франции очень короткий период времени, пришедшийся на эпоху Директории (1795-1799) и нач. 1800-х гг. Бронза «bon sauvage» в большинстве случаев представлена каминными часами и осветительными приборами, предметы скульптурной пластики кабинетного значения в виде одиночных человеческих фигур встречаются крайне редко. Композиции «bon sauvage» с изображениями «добрых, благородных дикарей» стали характерной чертой своей эпохи. Художественная литература популяризировала эту тему, введя в круг бронзовых персонажей «добрых дикарей» – индейцев, инков, островитян, негров. Благодаря модным французским романам образ дикого и примитивного «дикаря» адаптировался в искусстве парижских бронзолитейщиков в «добрых дикарей» бронзы «bon sauvage», что стала одним из лучших и экзотических украшений парадных апартаментов различных резиденций и домашней обстановки богатых европейцев.

Часы "Диана-охотница", Франция, Париж, конец XVIII - начало XIX веков.

Бронза, литье, позолота, эмаль (циферблат).

Размеры: 51,7 х 48,5 х 14,5 см.

Часы каминные «Диана-охотница» в стиле неоклассицизма. Прямоугольный постамент из позолоченной бронзы на 6-ти ножках в форме львиных лап украшен многофигурной скульптурной композицией аллегорического характера: богиня охоты Диана, полусидящая поверх каменного грота, склонилась к павлину, на котором восседает Амур. Слева, у ног Дианы – сидящая собака (атрибут Дианы). На лицевой стороне постамента – рельефная сцена, иллюстрирующая античный миф о Диане и охотнике Актеоне, превращенной богиней в оленя. Белый эмалевый циферблат с римскими черными цифрами, имеет два завода – на ход и бой, стрелки из вороненой стали – «яблоко Бреге». На циферблате подпись изготовителя каминных часов, данная латинским курсивом – «Bahn Gr. Mecanicien a Paris».

Каминные часы «Ясон, завладевающий Золотым руно» в стиле ампир, Франция, часовая фирма "Лерой", 1810-е годы.

Бронза, литье, чеканка, пунцырование, позолота, эмаль (циферблат).⠀

Размеры: 62 х 42 х 21 см.

Античный миф о Ясоне, предводителе аргонавтов, совершивших поход в Колхиду за золотым руно, нашел широкое отражение в европейской культуре – изобразительном и музыкальном искусстве, литературе и в ХХ веке в кинематографе. Миф об аргонавтах стал важным художественным источником символического и аллегорического материала для разных областей искусства с античных времен. Золотое руно считалось символом богатства, Ясона и Медею изображали как образец взаимной любви, полное опасностей и препятствий плавание Ясона за Золотым руно во многих случаях преподносилось в героическом духе. Корпус каминных часов оригинально решен как иллюстрирующая древний миф скульптурная композиция, полная динамики и победоносной патетики. Ясон показан в виде античного воина с кинжалом в руке в момент похищения Золотого руна, висящего на дереве в роще Ареса, у его ног под сброшенным с плеч плащом распростерлось тело усыпленного Медеей свирепого сторожа-дракона. Круглый бронзовый циферблат часов украшен рельефной сценкой с изображением Ясона и покровительствующей ему богини Геры. На циферблате имеются римские часовые цифры, два завода – на ход и бой, стрелки фигурные черного цвета. На циферблате черной краской подпись знаменитой парижской часовой фирмы Лерой (Леруа), специализировавшейся на создании уникальных часов высшего класса. Подставка каминных часов на 4-х позолоченных бронзовых ножках в виде львиных лап, выполнена из полированного темно-зеленого с белыми прожилками мрамора. Часы имеют идеальную сохранность, являются большой редкостью на антикварном рынке. Имеют художественное, коллекционное и музейное значение. Опубликованы в известной книге-справочнике: Elke Niehuser «French Bronze Clocks 1700-1830», стр. 64, № 91.

Каминные часы «Колесница Амура», Франция, Париж, 1800-е годы.

Бронза, литье, чеканка, огневая позолота (ormolu), полировка, матирование, темно коричневое патинирование.

Размеры:

Высота - 42.5 см.

Длина - 51 см.

Ширина - 18 см.

Часы каминные«Колесница Амура» из позолоченной и локально коричнево патинированной бронзы. Корпус часов состоит из двух конструктивных частей – массивного прямоугольного постамента на 4-х небольших полусферических ножках и скульптурной композиции в виде античной колесницы с амуром, правящим мчащимися галопом лошадьми. Внешняя поверхность передней боковой стенки декорирована бронзовыми накладками в виде стилизованных кустов аканта и атрибутами бога любви Амура – лук, стрелы, цветочный венки, горящие факелы. Часовой механизм вмонтирован в колесницу, циферблат из белой эмали уподоблен колесу колесницы, имеется два завода на ход и бой, часовые римские цифры черного цвета, стрелки черные стальные типа «яблоко Бреге»

В начале 19 в. очень большую популярность приобретают часы, украшенные скульптурным декором с изображением самых разных персонажей античной мифологии и истории. Одной из излюбленных тем в искусстве скульптурного украшения корпусов каминных часов было изображение колесницы с Амуром, запряженной лошадьми. Иногда эта жанровая композиция видоизменялась и колесница с Амуром была запряжена бабочками (душа, плененная любовью), лебедем (символ любви и верности), козлом (аллегория страсти и физической любви), но при этом всегда сохранялся общий аллегорический смысл скульптурного действия - божество любви крылатый Амур (Эрот, Купидон) как символ сильного сердечного чувства, способного поработить как богов, так и людей, а также символ определённой силы, управляющей миром и судьбой. Его атрибуты – лук и стрелы, с помощью которых он поражал любовью сердца живых существ, а также горящий факел, огонь которого не позволял угаснуть любовному чувству в душе.Особенную «живописность» и художественное своеобразие предмет приобретает за счет контрастного сочетания позолоченного постамента корпуса и коричнево патинированных фигур композиции. Каминные часы «Колесница Амура» выполнены на высочайшем художественно-техническом уровне литья и не имеют погрешностей в своей сохранности. Для своего времени являлись образчиком очень модных каминных часов интерьерного характера, выполненных с большим профессиональным умением парижскими бронзовщиками эпохи Наполеона I Бонапарта.

Имеет антикварное, историко-культурное, музейное и художественное значение.

Каминные часы «Суд Париса» выполненные в стиле неоклассики, Франция, Париж, последняя четверть XVIII века.

Бронза, литье, огневое золочение, мрамор, эмаль (циферблат).

Размеры: 44,5 х 43 х 13,5 см.

Каминные часы со скульптурным декором на тему древнегреческого мифа «Суд Париса», в котором повествуется о своеобразном конкурсе красоты между тремя богинями – Герой, женой Зевса, воительницей Афиной и богиней любви Афродитой. Сын царя Трои, прекрасный пастух Парис отдал золотое яблоко с надписью «прекраснейшей» Афродите, которая пообещала ему самой прекрасной женщины. Богиня в восторженных словах описала Парису Елену Прекрасную, жену царя Спарты, Менелая, что в дальнейшем привело к ее похищению Парисом и стало причиной начала Троянской войны. Этот сюжет очень часто воспроизводился в европейском искусстве, что великолепно подтверждает скульптурная жанровая сценка, украшающая корпус каминных часов: изображен стоящий Парис отдающий яблоко сидящей Афродите. Все имеющиеся бронзовые атрибуты пластической композиции (пастушеский посох, плащ, воркующие голубки в облаках, шкатулка с украшениями, рельефные изображения в виде амуров с музыкальными инструментами, факелами, венками из роз) указывают на этих мифологических героев и историю их любви. Технической особенностью усложненного механизма этих часов являются три стрелки, две из которых показывают время суток (часы и минуты), третья из стали - числа месяца.

Россия, Бенуа А.Н., "Урок любви в парке", 1927 год.

Бумага, графитный карандаш, тушь, перо, акварель, белила.

Размеры: 17 х 15 см.

В левом нижнем углу авторская подпись.

Иллюстрация к роману Рене Буалева "Урок любви в парке".

Бенуа Александр Николаевич (1870, Петербург – 1960, Париж) – художник, искусствовед, театральный деятель. Родился в семье архитектора Николая Леонтьевича Бенуа, известной своими художественными талантами. В 1885-1890 учился в гимназии К.И. Мая и посещал классы Академии художеств. В 1894 окончил юридический факультет Петербургского университета. Впервые представил акварельные работы на выставке 1893 и сумел обратить на себя внимании я. В 1897 Бенуа приобрел известность серией акварелей «Последние прогулки Людовика XIV», написанные под впечатлением пребывания в Париже и Версале. Три картины с этой выставки были приобретены П.М. Третьяковым. В 1903 г. Бенуа создал серию иллюстраций к «Медному всаднику» - один из шедевров русской книжной графики.

Данная работа исполнена А.Н. Бенуа для издания романа Рене Буалева «Урок любви в парке», вышедшего в Брюссельском издательстве «Aux Editions du Nord» в 1927 году. В книгу вошли черно-белые тушевые рисунки А.Н. Бенуа, мастрески и виртуозно им исполненные. К сожалению, того успеха, на который рассчитывал А.Н. Бенуа, они ему не принесли, хотя художник рассчитывал на дальнейшие книжные заказы. По всей видимости, данная работа, раскрашенная акварелью, является одним из первых вариантов, нарисованных А.Н. Бенуа для романа Буалева.

Иллюстрация А.Н. Бенуа к роману Рене Буалева «Урок любви в парке» является редкостью и представляет художественную и коллекционную ценность.

Россия, Маковский К.Е., портрет Головина Е.А., конец XIX века.

Дерево, масло.

Размер: 35 x 26,5 см.

В правом верхнем углу портрета имеется дарственная надпись: «Е.А.Головину отъ К.Маковского на добрую Память».

Портрет выполнен в характерной для К.Е. Маковского манере: благородство колористического решения сочетается с работой «легкой» кистью, точно и свободно передающей детали изображения.

Обаяние портрета составляет не только манера исполнения, но и камерная трактовка образа. Момент собеседования, открытости модели перед художником характерны для небольших мужских портретов К.Е Маковского.

По своим художественным достоинствам картина представляет несомненный музейный и антикварно-коллекционный интерес.

Россия, Маковский В.Е., "Сельский пейзаж", 1902 год.

Холст, масло.

Размер: 20,3 х 34 см.

Размер в раме: 39 х 52 см.

Справа внизу на картине расположены подпись и дата "1902. В.Маковскiй".

Маковский Владимир Егорович (1846-1920) академик живописи, жанрист, портретист. Сын Е.И. Маковского, брат Константина и Николая, отец Александра.

Первые художественные навыки получил в семье. Учился в МУЖВ (1858-1866). За время обучения неоднократно награждался золотыми и серебряными медалями. В 1873 году за картину «Любители соловьев» удостоен звания академика. В 1892 году получил звание профессора. Жил в Москве и Петербурге. Преподаватель Московского училища живописи, ваяния и зодчества (1882-1894). Был профессором-руководителем мастерской жанровой живописи ВХУ (1894-1918). Постоянный экспонент выставок ТПХВ.

Участник многих международных выставок. Много путешествовал по России (Украина, Крым, Кавказ), бывал в Финляндии, Нормандии, во Франции и др. Его картины пользуются постоянным успехом во все времена.

Композиционное живописно-кластическое решение картины "Сельский пейзаж" имеет аналогии с работами художника В. Маковского. Из биографии художника известно, что в 1900-е годы он много времени проводил на даче в местечке Струги белые на берегу Щирского озера. На берегах озера располагались дачи и усадьбы многих известных людей. Его пейзажи отличает мастерство композиционного построения, тонкая передача изменений освещенности пейзажей.

Как типичное произведение известного русского художника XIX - первой четверти XX века картина имеет музейное значение, представляет интерес для частных коллекций отечественной живописи.

Стол обеденный, Россия, Абрамцево, Абрамцевская столярная мастерская, 1890-е годы, Поленова Е.Д.

Дерево, резьба, тонировка.

Размеры: 77,5 х 106,5 х 71 см.

Автор эскиза - Поленова Елена Дмитриевна.

Дамский письменный стол (Bonheur-du-jour), Франция, Париж, мастерская "Пьера Русселя", 1770-е годы.

Основа-дуб сосна, в наборе: палисандр, розовое красное дерево, фруктовые породы.

Бронза, литье.

Размеры:

Высота - 88 см.

Ширина - 37 см.

Длина - 63 см.

На внутренней стороне столешницы имеется полустертое клеймо парижского мастера 1745 Г. Пьера Русселя (P Rous...) и клеймо контроля корпорации парижских мебельщиков-краснодеревцев "JME" ( Jurand des menuisiers ebenistes).

Форма столика типична для переходного периода от рококо к классицизму, он имеет слегка изогнутые утончающиеся внизу ножки, между которыми укреплена полочка; столешница прямоугольная со срезанными и слегка вытянутыми передними углами, под столешницей один выдвижной ящичек. Столешница завершается прямоугольной надстройкой с шестью выдвижными ящичками. Края столешницы и надстройки с ящичками отделаны бронзовыми поясками; верхние края задней и боковых стенок надстройки над столешницей отделаны бронзовой решётчатой балюстрадкой. На ножках имеются бронзовые башмачки виде львиных лапок. Столик декорирован типичным для переходного периода набором, навеянным изображениями на китайских коромандельских лаковых ширмах, широко бытовавших в обстановке парижских домов того времени. Это изображения так называемых "предметов домашней утвари" - китайских ваз на подставках, плошек, чайных чашек, чайников, высоких бокалов с воткнутыми в них кистями и палочками для письма. Такой сюжет в маркетри, ставший чрезвычайно модным в 1770-е годы, был по видимому впервые применен парижским мастером 1773 года Шарлем Топино. Последний выполнял наборные композиции, навеянные коромандельскими лаками для мебели ведущих парижских мастеров (Будена, Денизо, Делорма и др.), в том числе и для П. Русселя. Этим объясняется типологическая близость мебели с клеймами различных парижских мастеров, украшенной похожими наборными композициями из "предметов домашней утвари".

Среди клеймленной мебели Пьера Русселя (1723-1782) известно совсем немного образцов, украшенных набором на сюжет "домашней утвари". В их числе чрезвычайно похожий столик Bonheur-du-jour, который является редким образцом Французской мебели 1770-х годов. Он имеет большое музейное и историко-художественное значение. В России мебель такого уровня имеется только в дворцовых собраниях Петербурга.

Часы каминные на подставке, Германия, Мейсенская Государственная фарфоровая мануфактура ("Meissener Porzellan"), 1860-1880-е годы, Лёйтериц Э.А.

Фарфор, рельеф, ручная лепка, надглазурная роспись позолота.

Высота с подставкой - 77,5 см.

Автор модели - Э.А. Лёйтериц (1865 - 1875).

Марка синяя подглазурная: скрещённые мечи.

Часы каминные в фарфоровом корпусе на подставке, сложной рокайльной формы, представляют собой скалистый утёс, дополненный богатым рельефным, лепным растительным и цветочным декором. Белый эмалевый циферблат, заключённый в круглую раму жёлтого металла, располагается в верхней части корпуса. Под циферблатом на площадке у подножия утёса расположены фигуры: танцующая пара в окружении двух музыкантов. В верхней части корпуса укреплён высокий букет из лепных цветов и листьев: роз, незабудок, нарциссов и др. Под ним - фигура путти с цветочной гирляндой в руках. Роспись выполнена в нежных тонах с использованием различных оттенков зелёного, розового, сиреневого, дополненных позолотой. Часы установлены на подставке с ножками в виде рокайльных завитков с пышными лепными и живописными цветочными композициями. На дне проставлена марка синяя подглазурная в виде скрещённых мечей.

Точное гармоничное соотношение элементов декора при высочайшем технологическом качестве позволяют соотнести представленные каминные часы с прототипами «золотого века» мейсенского фарфора.

Модели в стилистике рококо использовались в различных комбинациях и вариантах, что позволяло Э.А.Лёйтерицу создавать многообразие новых форм. На Мейсенской фарфоровой мануфактуре широко практиковалось повторение моделей, созданных в период расцвета мейсенской фарфоровой пластики. Особой популярностью пользовались модели, созданные мастерами 18 столетия, новшества допускались лишь в вариациях незначительных деталей и характере росписи. Но использование стилистики и моделей в новую историческую эпоху вносит в произведение дополнительные характеристики в соотношение пластических объёмов, цветовые комбинации, индивидуальный почерк скульптора и художника-исполнителя.

В данном случае известно несколько вариантов рассматриваемых часов с различным расположением лепного декора и фигур, а также цветового решения - с надглазурной полихромной и подглазурной монохромной росписью кобальтом.

Кувшин "Воздух" из серии четыре стихии, Германия, Мейсенская Государственная фарфоровая мануфактура ("Meissener Porzellan"), середина XIX века.

Фарфор, лепка, рельеф, роспись надглазурная, позолота

Высота - 65 см.

Автор модели - Иогана Иохима Кендлера, модель 1741 года.

Серия «Четыре стихии» состоит из четырёх кувшинов «Земля», «Огонь», «Воздух» и «Вода».

Роскошный кувшин «Воздух» декорирован изящными скульптурными фигурами Геры, Зефира, павлина и играющих амуров.

Фигура Геры, королевы древнегреческих богов, расположена в центральной части кувшина со скипетром в руке и в короне.

В аллегорическом изображении четырёх элементов стихии она представляет собой стихию Воздуха. Около Геры расположен ее главный атрибут - пестрый павлин.

В центральной части кувшина изображена сцена летящих по небу птиц.

Справа - динамичная скульптурная фигура Зефира, крылатого юноши, покровителя Западного ветра. Его дыхание приносит прохладу и свежесть. Внизу центральная часть украшена скульптурным декором в виде серых воздушных облаков. Нижняя часть представляет собой фигуру Амура с птицей в руке, смотрящего на землю , выразительный золочённый декор и пластический декор из разноцветных элементов в виде перьев.

Кувшин из серии четыре стихии «Воздух» относится к редким произведениям мейсенской фарфоровой пластики высокого художественного уровня.

Полоскательницы, 12 штук, из сервиза Великой княгини Ольги Николаевны, Россия, Санкт-Петербург, Императорский стеклянный завод, 1830-е годы.

Опаловое стекло, роспись золотом.

Размеры:

Высота стакана - 7 см.

Высота блюдца - 5,5 см.

Диаметр - 15 см.

Шкаф в стиле Людовика XVI, Франция, Париж, Фирма "Поль Сормани" ("Paul Sormani") (1817-1877), 1870-е годы.

Красное дерево, бронза литьё, золочение.

Размеры: 210 х 118 х 41 см.

Производство эксклюзивной мебели Сормани являлось семейным делом. Дизайн, высокое качество исполнения и внимание к деталям поставили его в высший эшелон парижских производителей мебели. В мастерской Сормани работали одаренные и высококвалифицированные дизайнеры, в числе которых Эжен Приньо. Приньо был дизайнером прекрасного кабинета в стиле Людовика XVI, который был представлен на выставке в Париже в 1867 году. Расцвет производства фирмы произошёл в 1850-х годах, но большая часть мебели имеет адрес Rue Charlot, что указывает на то, что она была произведена после 1867 года.

В том же году фирма была удостоена серебряной медали на выставке в Париже. В экспозиции выставки был представлен шкаф в стиле ренессанс, разработанный Эдуардом Ливром, Фирма Сормани наряду с «эксклюзивной мебелью» производила также небольшие предметы класса люкс из позолоченной бронзы: чернильницы, канделябры и вазы.

После смерти Поля Сормани в 1877 его вдова взяла на себя управление фирмой. С этого времени к названию она добавила слово «вдова». В это время к ней присоединился старший сын Поль-Чарльз.Другой сын Анри Альфред стал работать с братом после смерти матери в 1883 году. Анри Альфред был указан в справочнике Келли за 1897 год. В 1893 году фирма Сормани выставила витрину в стиле Людовика XV с тремя панелями, изображающими сцены романтического сада в технике лак Мартан. К 1900 году фирма Сормани была хорошо известна за рубежом, особенно в Нью-Йорке. Она позиционировала себя как создателя «художественного ремесла» воспроизводства мебели с бронзой в стилистике Людовиков XIV, XV, XVI.

Моделью, скопированной Сормани, был знаменитый письменный стол, который затем размещался в министерстве Морской Пехоты. Считалось, что эти письменные столы в стиле Людовика XV с необычным лейблом «P Sormani Paris for Geo.A. Glaenzer New York” были из особняка Фридриха В. Вандер-Билта в Гайд-Парке, Нью-Йорк.

Особенным клиентом фирмы Сормани была принцесса Маргарет Савойская, в последствии она стала королевой Италии. Принцесса много путешествовала. Совершала частые поездки в Париж, посещая фирму Сормани и приобретая предметы интерьера. Она отдавала предпочтение Сормани в отличии от других знаменитых мебельщиков (Аликс, Жиру и Цвинер) и оставалась клиентом фирмы около 50 лет.

Среди клиентов (в 1920-х годах) можно отметить российского, а в последствии и американского Нефтяного магната Галуста Гюльбенкяна, который владел нефтяной добычей в Баку. В то время он считался самым богатым человеком в мире.

Роскошная ваза с изображением цветов и бабочек, Франция, Лотарингия, Нанси, фирма "Галле" ("Galle"), 1900-1904 год.

Стекло многослойное (прозрачное бесцветное, фиолетовое, зеленое, розовое), выдувание в форму, послойное травление, гравировка, матирование, полировка. Подпись «Galle» в технике камео.

Высота – 64 см.

Сигнатура Галле поставлена на корпусе вазы.

Геридон, Россия, Императорский стеклянный завод, 1830-е годы.

Бесцветный хрусталь, с кобальтовым надцветом, гранение, бронза, литье, чеканка, золочение.

Высота - 61,5 см.

СССР, Налбандян Дмитрий Аркадьевич (1906-1993), "Старый Гурзуф", 1970-е годы.

Картон, масло.

Размер: 47,4 х 32,8 см.

Размер в раме: 69 х 54,5 см.

На обороте картины имеется надпись "Авторство подтверждаю, внучка Нино Чикваидзе 11.04.03 г."

Произведение представляет собой натурный пейзаж выполненный Налбандяном со свойственными ему экспрессией, декоративизмом и колористической выразительностью.

Картина "Старый Гурзуф" репродукцирована в книгах "Дмитрий Налбандян" (Москва, 1982, №151) и "Дмитрия Налбандян" (Москва, 1986, №139) под названием "Старый Гурзуф" и датой создания "1976 год".

Налбандян Дмитрий Аркадьевич (1906-1993). Живописец, график. Представитель советского импрессионизма. Действительный член Академии художеств СССР. Родился в Тефлисе. В 1929 году окончил Тблисскую Академию художеств. Учился у Е. Лансере и Е. Татевосяна. Участник выставок с 1935 года. Писал пейзажи, портреты, а также многочисленные портреты советских лидеров, натюрморты, жанровые произведения и композиции на историко-революционную тему. Стал своеобразным летописцем советской эпохи. Произведения Д.А. Налбандяна хранятся в Государственной Третьяковской Галерее, Государственном Русском Музее, многих музейных и частных собраниях.

Имеется экспертное заключение.

Скульптура «Танцовщица Луи Фуллер», Германия, Мейсенская Государственная фарфоровая мануфактура, 1920-е годы, скульптор Карл Теодор Эйхлер.

Фарфор; роспись надглазурная полихромная, позолота.

Размеры: 26,9 х 26,4 х 20,5 см.

Марка синяя подглазурная: скрещенные мечи (перечеркнуты в массе).

Представленная фарфоровая скульптура изображает знаменитую американскую танцовщицу, основательницу танца модерн Луи Фуллер. Изящный образ танцовщицы подчёркивает белоснежное платье с мягкими струящимися драпировками. Художнику удалось воплотить в фарфоре воздушность и легкость ее длинного платья и красоту движения в танце. Мастер аккуратно моделирует тонкие черты лица героини, изображая ее задумчивый взгляд.

Луи Фуллер открыла новый подход в танцевальном искусстве в противовес балетному академизму. В ее танце появились естественная пластика движения и костюм в виде свободного длинного платья. Интересным элементом образа становится украшение в виде бордовой гирлянды, вплетенной в ее волосы.

Фигура «Танцовщицы» была выполнена мастером фарфоровой пластики Теодором Эйхлером. Основные навыки по фарфоровой пластики получил у Августа Лойтерица и Эммериха Андресена на Мейсенской фарфоровой мануфактуре в 1885 году. С 1891-1894 года проходил обучение в Дрезденской школе прикладного искусства у Гюго Плейсера. В сентябре 1897 учился у Роберта Диеса. Затем он работал на Мейсенской фарфоровой мануфактуре и в 1910 году в собственной мастерской.

Уже во время учебы он получил несколько наград и почетных грамот за свой профессионализм, а также малую золотую медаль как особую награду Академии художеств.

Его фарфоровые скульптуры отличаются реалистичностью художественного образа. Представленная скульптура «Танцовщица» отображает нежный образ Луи Фуллер, воплощенный с помощью взгляда, костюма и движения в танце.

Кулер, холодильник для вина, Франция, Париж, фирма "Кристофль" ("Christofle"), 1850-1860-е годы.

Металл, литье, полировка, серебрение, золочение.

Высота - 32 см.

Ведро для охлаждения шампанского Christofle со съемным гладким золоченным ободом, в верхней части декорированный рельефом в виде стекающей воды и маленьких гроздей винограда. Центральная часть гладкого позолоченного тулова по кругу украшена четырьмя овальными медальонами, олицетворяющими четыре стихии: Земля, Вода, Воздух и Огонь. Между собой медальоны соединены пышными гирляндами из роскошных роз. Верхняя часть ведерка декорирована богатым цветочным растительным орнаментом с маскаронами.

Декоративное убранство ножки гармонично сочетается с туловом вазы. Верхняя часть ножки представлена в виде ниспадающих потоков воды. Замыкает композицию ножки декор в виде венка из растительного орнамента и ленты. В нижней части по гладкому полированному ободу имеется клеймо фирмы Christofle цифра «5» и «6» в ромбах, которые указывают на количество использованного серебра и овальное клеймо с весами и пчелой между парой пальмовых ветвей и четыре звезды. На съемном ободе предмета также имеются клейма: стоит многозначное число 314002 - это порядковый номер изделия. Эта маркировка характерна для предметов, произведенных на фирме Christofle ,с 1844 по 1862 годы.

Биографическая справка:

История фирмы Christofle началась в 1830 м году. Предприятие находилось в Париже на улице Мораис. Более 12 лет предприимчивый ювелир Шарль Кристофль упорно развивал свое дело и один из самых первых начал применять уникальную технику гальванопластики- особой технологии, позволяющей покрывать изделия серебром и золотом, которая была открыта графом де Руольцем и выкуплена в 1842 году Шарлем Кристофелем.

Благодаря труду мастеров компания получила почетный титул государственного поставщика при дворе императора Наполеона III. При покровительства императора Наполеона III Шарль Кристофль смог стать еще и поставщиком султана Абдель Азиза и правителя Мексики Максимиллиана. В середине XIX века компания Кристофль выполнила первый русский заказ - свадебный подарок Великой Княжне Ольге Федоровне и Михаилу Николаевичу. Это была скульптура немецкого художника Байера «Принц, который уносит любимую на коне». С 1850-х гг. компания стала ведущей на европейском рынке продукции для сервировки стола, выполняя крупнейшие заказы высокопоставленных клиентов со всей Европы. В этот же период Christofle начинает участвовать во всех международных выставках и удостаивается высоких наград и медалей.

Среди масштабных проектов «Кристофль» - оформление крыши Парижской оперы, декорирование вагонов «Восточного экспресса», большой заказ для легендарного лайнера «Нормандия» на 45 тысяч сервировки.

Скульптура "Сокол", СССР, Дулёвский фарфоровый завод, 1957-1958 годы, автор модели А.Г. Сотников (1904-1989).

Фарфор, глазурь.

Размеры:

Высота - 55см.

Основание - 39 х 23 см.

Автор модели - Сотников А.Г.

Алексей Георгиевич Сотников - один из наиболее значимых художников керамистов ХХ в. В 1957 году Сотников создал своего знаменитого "Сокола". На первой послевоенной международной выставке в Брюсселе 1958 года "Сокол" получил высшую награду "Grand Prix".

Изображение Сокола" с 1964 года стало маркой Дулевого фарфорового завода. Художественная ценность скульптуры "Сокола" определялась не только исканиями стиля. Решала пластика - именно она вывела "Сокола" на новый качественный уровень, который можно определить как "преодоление масштаба". Преодоление масштаба не столько в физическом, сколько в идейно-образном, духовном плане, это позволяет говорить о монументальности.

Скульптура «Юные рыбаки», СССР, Дулёвский фарфоровый завод ("Дулёво"), 1950-е годы, А.Г. Сотников.

Фарфор, подглазурная роспись.

Размеры: высота - 13 см., длина - 33 см., ширина - 10 см.

Автор модели - Сотников А.Г.

Модель 1953 г.

Алексей Георгиевич Сотников - один из наиболее значимых художников керамистов ХХ в. В 1957 году Сотников создал своего знаменитого "Сокола". На первой послевоенной международной выставке в Брюсселе 1958 года "Сокол" получил высшую награду "Grand Prix".