Новинки

​Стол-конверт игральный, Франция, 1870-1900-е гг., Ф. Линке

Стол-конверт игральный (ломберный), Франция, 1870-1900-е годы, Ф. Линке.

Дуб, красное дерево, палисандр, розовое дерево.

Размеры:

Высота - 74 см.

В собранном виде - 55 х 55 см.

В разложенном виде - 75,5 х 75,5 см.

Имеется выдвижной ящик.

Франсуа Линке («François Linke», 1855-1946) - один из ведущих парижских мастеров-мебельщиков, эбенист (мастер-краснодеревщик) конца XIX - начала XX веков. Работал главным образом в стиле неорококо.

Линке родился 17 июня 1855 года в небольшой чешской деревне Дойч-Панкраз, ныне известной как Йитрава в Чешской Республике. Согласно документам, Линке проходил обучение у мастера-краснодеревщика по имени Нойманн. В трудовой книжке Линке, Arbeits-Buch, указано, что он находился в Вене с июля 1872 года по октябрь 1873 года во время проведения там Всемирной выставки 1873 года.

После этого Линке побывал в Праге, Будапеште и Веймаре, прежде чем в 1875 году прибыл в Париж. Есть документальные свидетельства того, что он устроился на работу к неизвестному немецкому краснодеревщику в Париже, и стилистическое сходство, фотографии и географическая близость позволили предположить, что наиболее вероятным кандидатом был Жозеф-Эммануэль Цвинер. После некоторого времени, проведенного в родном городе, он в 1877 году окончательно вернулся в Париж.

В 1878 году в Париже прошла Третья крупная Всемирная выставка, которая стала выдающимся достижением для страны, опустошённой войной всего семью годами ранее. Известно, что мастерские Линке работали в предместье Сент-Антуан уже в 1881 году; в это время он поставлял мебель другим, более известным производителям, таким как Янсен и Кригер.

К 1889 году в Париже прошла ещё одна Всемирная выставка. Гюстав Эйфель возвёл для неё здание, ставшее знаменитым, и атмосфера богатства и уверенности, возможно, вдохновила Линке на мысль о том, что он сможет внести важный вклад в следующую грандиозную выставку. Ещё в 1892 году было принято решение о проведении выставки в конце века, чтобы упредить проведение Берлином последней грандиозной выставки столетия.

В 1892 году Виктор Шампье, один из комиссаров Всемирной парижской выставки 1900 года, призвал: «Творите в стиле мастеров, не копируйте то, что создали они». Стремясь превзойти конкурентов, Линке поставил перед собой задачу создать самые амбициозные произведения, какие только мог себе представить, и более экстравагантные, чем когда-либо экспонировавшиеся. Представленные им работы ознаменовали собой переход от интерпретации стилей Людовика XV и Людовика XVI периода историзма к новому, вполне оригинальному стилю. Вместе с Леоном Мессаже Линке разработал новый стиль для выставки 1900 года, который отдавал дань уважения рококо Людовика XV своей пластичностью, но сочетался с живыми, плавными линиями современного и прогрессивного ар-нуво.

В дневнике Линке записаны посетители его стенда из Англии, Европы, Америки, Египта и Японии, включая: короля Швеции, три визита короля Бельгии, князя Радзивилла, князя д’Аренберга, графа Альберик дю Шастеля, мисс Анну Мэй Гульд, американскую наследницу, выдающихся мебельщиков и президента Франции Эмиля Лубе. Eспех и упрочившаяся репутация мастера позволили «La Maison Linke» стать ведущим мебельным производителем вплоть до начала Второй мировой войны.

Техническое совершенство его работ и художественные новшества обеспечили фирме престижные помещения в Париже на Вандомской площади, а также в предместье Сент-Антуан, где располагалась его мастерская. В годы, предшествовавшие началу Первой мировой войны, Франсуа Линке выполнял множество важных заказов, создавая и проектируя мебель для ведущих международных промышленников и банкиров.

После Первой мировой войны Линке выполнил заказ на обустройство дворца Рас-эль-Тин в Александрии для египетского короля Фуада. Возможно, это был самый крупный заказ на мебель, когда-либо созданный, затмивший даже Версаль. Линке процветал и продолжал свою деятельность до середины 1930-х годов

​К. Верне, "Новая мода, или шотландец в Париже" Франция, 1815 г.
40,5 х 37

Карл Верне, "Новая мода, или шотландец в Париже" ("The New Fashion/Or the Scotsman in Paris"), Франция, Париж, 1815 год.

Бумага, акварель.

Размер листа: 40,5 х 37 см.

Оригинал для гравюр.

Карл Верне рисовал с натуры, и по этим рисункам Дебюкуром делал гравюры для серии "Союзники в Париже в 1815 году. Нравственные сцены: Новая мода, или шотландец в Париже", которые были изданы "à Paris, chez Ch.Bance, rue J.J.Rousseau", № 10. Эти гравюры были опубликованы: каталог выставки "1812. Мир и война", ГИМ, 2008—2009, №125; каталог выставки "1812 год в частных собраниях", ГМЗ "Царское село", 2012, с.164, №180.

Карл Верне (1758-1835) - французский жанровый художник, рисовальщик и литограф. Анималист, карикатурист и баталист, художник-историограф Наполеоновской армии. В 23 года получил первую римскую премию, что позволило ему отправиться в Рим на обучение. В 1787 году был удостоен звания члена Академии. Кавалер орденов Почетного легиона и св. Михаила

​Скульптура «Флора», Германия, фабрика «Aelteste Volkstedt», 1940-е гг., Г. Оппель

Скульптура «Флора» (богиня весны и цветения), Германия, Фолькштед, фабрика «Aelteste Volkstedt», 1940-е годы, Г. Оппель.

Фарфор.

Размеры:

Высота - 68 см.

Основание - 26,2 х 21,6 см.

Автор модели: Густав Оппель («Gustav Oppel», 1891-1978).

Продается в паре со скульптурой «Деметра», цена за пару.

Густав Оппель - немецкий художник, моделист по фарфору и скульптор. Родился в 1891 году в Фолькштедте. Густав учился в художественных академиях и ремесленных школах в Дрездене, Мюнхене и Берлине. С 1918 по 1931 год работал свободным скульптором в Дрездене, а затем и в Берлине.

В качестве внештатного сотрудника Оппель создавал фигурки для многих немецких мануфактур, в частности, для фарфоровой фабрики «Ph. Rosenthal & Co» и «Aelteste Volkstedt». После войны Оппель вошел в свободную «Группу влияния визуальных художников в Вайсензее» вместе с Германом Хензелем, Дёрте Гуйот, Гансом Штеффеном и Карлом Полем, которая провела первую фарфоровую послевоенную выставку в 1945 году.

«Aelteste Volkstedter Porzellanfabrik» - старейшая фарфоровая мануфактура Тюрингии. Она была основана благодаря открытию, совершенному Георгом Генрихом Махелейдом (1723–1801). Несколько лет он экспериментировал с фарфоровой массой, работая на стеклянном заводе Глюкшталь. В 1760 году он открыл правильный состав.

4 октября 1760 года князь Иоганн Фридрих фон Шварцбург-Рудольштадт пожаловал Георгу Генриху Махелейду право основать фарфоровую мануфактуру. Она была построена в Фолькштедте рядом с княжеской резиденцией в Шварцбург-Рудольштадте. Заложив основы производства и убедившись в том, что фабрика способна производить изделия самостоятельно, в 1764 году Георг Генрих Махелейд покинул пост управляющего. За заслуги перед государством изобретатель получил от князя Шварцбург-Рудольштадтского пожизненную пенсию.

В 1767 году управление фирмой перешло в руки Кристиана Нонна. Он не только устранил первоначальные трудности, сопровождавшие производство, но и привел мануфактуру к экономическому процветанию. Это отразилось и на художественном развитии фабрики. В 1768 году завод в Фолькштедте начинает создавать изящные скульптуры с искусно проработанными деталями одежды, которые впоследствии станут ее лицом.

В XIX веке спрос на изделия фабрики в Фолькштедте начинает расти. Количество заказов вынуждает руководство увеличивать производственные мощности за счет фабрик-конкурентов из близлежащих городов. Владельцем фабрики в 1822 году стала фирма «Greiner, Stauch & Co.». А в 1861 году мануфактура перешла под управление художника-керамиста Карла Энса и Клеменса Трибнера и получила название «Triebner, Ens & Co.».

В 1894 году создаются первые статуэтки с искусной резьбой и тонкими кружевами, которые сделали мануфактуру «Aelteste Volkstedter Porzellanfabrik» известной не только в Европе, но и во всем мире.

В 1901 году произошло объединение фарфоровых заводов «Aelteste Volkstedter Porzellanfabrik» и «Porzellanfabrik Unterweissbach, vorm. Mann & Porzelius AG». Однако их союз продлился только до мирового экономического кризиса 1930-х годов. Этот период в истории фабрики был очень плодотворным. Именно в первой трети XX века были созданы изящные скульптуры, украшенные кружевом и детально проработанные. В 1949 году фабрика «Aelteste Volkstedt» стала частью объединения народных предприятий (VEB) ГДР.

Скульптура «​Деметра», Германия, фабрика «Aelteste Volkstedt», 1940-е гг., Г. Оппель

Скульптура «Деметра» (богиня плодородия и покровительница земледелия), Германия, Фолькштед, фабрика «Aelteste Volkstedt», 1940-е годы, Г. Оппель.

Фарфор.

Размеры:

Высота - 69 см.

Основание - 25,3 х 21,9 см.

Автор модели: Густав Оппель («Gustav Oppel», 1891-1978).

Продается в паре со скульптурой «Флора», цена за пару.

Густав Оппель - немецкий художник, моделист по фарфору и скульптор. Родился в 1891 году в Фолькштедте. Густав учился в художественных академиях и ремесленных школах в Дрездене, Мюнхене и Берлине. С 1918 по 1931 год работал свободным скульптором в Дрездене, а затем и в Берлине.

В качестве внештатного сотрудника Оппель создавал фигурки для многих немецких мануфактур, в частности, для фарфоровой фабрики «Ph. Rosenthal & Co» и «Aelteste Volkstedt». После войны Оппель вошел в свободную «Группу влияния визуальных художников в Вайсензее» вместе с Германом Хензелем, Дёрте Гуйот, Гансом Штеффеном и Карлом Полем, которая провела первую фарфоровую послевоенную выставку в 1945 году.

«Aelteste Volkstedter Porzellanfabrik» - старейшая фарфоровая мануфактура Тюрингии. Она была основана благодаря открытию, совершенному Георгом Генрихом Махелейдом (1723–1801). Несколько лет он экспериментировал с фарфоровой массой, работая на стеклянном заводе Глюкшталь. В 1760 году он открыл правильный состав.

4 октября 1760 года князь Иоганн Фридрих фон Шварцбург-Рудольштадт пожаловал Георгу Генриху Махелейду право основать фарфоровую мануфактуру. Она была построена в Фолькштедте рядом с княжеской резиденцией в Шварцбург-Рудольштадте. Заложив основы производства и убедившись в том, что фабрика способна производить изделия самостоятельно, в 1764 году Георг Генрих Махелейд покинул пост управляющего. За заслуги перед государством изобретатель получил от князя Шварцбург-Рудольштадтского пожизненную пенсию.

В 1767 году управление фирмой перешло в руки Кристиана Нонна. Он не только устранил первоначальные трудности, сопровождавшие производство, но и привел мануфактуру к экономическому процветанию. Это отразилось и на художественном развитии фабрики. В 1768 году завод в Фолькштедте начинает создавать изящные скульптуры с искусно проработанными деталями одежды, которые впоследствии станут ее лицом.

В XIX веке спрос на изделия фабрики в Фолькштедте начинает расти. Количество заказов вынуждает руководство увеличивать производственные мощности за счет фабрик-конкурентов из близлежащих городов. Владельцем фабрики в 1822 году стала фирма «Greiner, Stauch & Co.». А в 1861 году мануфактура перешла под управление художника-керамиста Карла Энса и Клеменса Трибнера и получила название «Triebner, Ens & Co.».

В 1894 году создаются первые статуэтки с искусной резьбой и тонкими кружевами, которые сделали мануфактуру «Aelteste Volkstedter Porzellanfabrik» известной не только в Европе, но и во всем мире.

В 1901 году произошло объединение фарфоровых заводов «Aelteste Volkstedter Porzellanfabrik» и «Porzellanfabrik Unterweissbach, vorm. Mann & Porzelius AG». Однако их союз продлился только до мирового экономического кризиса 1930-х годов. Этот период в истории фабрики был очень плодотворным. Именно в первой трети XX века были созданы изящные скульптуры, украшенные кружевом и детально проработанные. В 1949 году фабрика «Aelteste Volkstedt» стала частью объединения народных предприятий (VEB) ГДР.

​Скульптура "Иван Поддубный", СССР, завод "Монументскульптура​", 1970-е гг., Мурзин А.А.

Иван Поддубный, СССР, Ленинград, завод художественного литья "Монументскульптура", конец 1970-х годов, Мурзин А.А.

Бронза, литье, патинирование.

Размер: 30,5 х 9,3 х 6 см.

На прямоугольном основании установлено скульптурное изображение полуобнаженного, атлетически сложенного мужчины. Через правое плечо – лента с надписью: "ЧЕМПИОН МИРА 1905", на основании спереди надпись: "ИВАН ПОДДУБНЫЙ" а на самом основании надпись: "МУРЗИН 76".

Иван Максимович Поддубный (26.09.1871 - 8.08.1949) - российский и советский профессиональный борец, атлет и артист цирка, происходящий из рода запорожских казаков.

Один из самых выдающихся профессиональных борцов мира. Неоднократно выигрывал "чемпионаты мира" по классической (греко-римской) борьбе среди профессионалов, включая самый авторитетный из них - в Париже (1905-1908). Хотя и проигрывал отдельные схватки, но за 40 лет выступлений не проиграл ни одного соревнования, чемпионата или турнира.

Неоднократно выступал с гастролями в российских городах и за рубежом, посетив около 50 городов в 14 странах 4 континентов. В 1924 году уехал на длительные гастроли по Германии и США. 23 февраля 1926 года о нём "трубили" все телеграфы планеты: "На днях Иван Поддубный победил в Нью-Йорке лучших борцов нового света, завоевав звание "чемпиона Америки". Шестикратный чемпион мира среди профессионалов поразил всех не только своей феноменальной силой и мастерством, но и спортивным долголетием. В ноябре 1939 года в Кремле ему за выдающиеся заслуги «в деле развития советского спорта» был вручен орден Трудового Красного Знамени и присвоено звание Заслуженного артиста РСФСР.

Скульптура выполнена в характерной творческой манере скульптора.

Александр Алексеевич Мурзин (10.08.1914-2010). Окончил скульптурный факультет Ленинградского института живописи, скульптуры и архитектуры им. И.Е. Репина (1945-1951), ученик известного советского скульптора В.В. Лишева. Член Союза художников СССР, член Санкт-Петербургского отделения Союза художников России (секция скульптуры), Заслуженный художник Российской Федерации. Работал в области монументальной, монументально-декоративной, мемориальной скульптуры и интерьерно-кабинетной пластики. С бригадой ведущих советских художников участвовал в оформлении интерьеров станций Ленинградского метрополитена.

В 1970-1980-е годы особенно активно создавал модели скульптуры малых форм, которые отливались в силумине, чугуне, алюминии и бронзе на ленинградском заводе "Монументскульптура" (без клейм предприятия, но с фамилией скульптора на подставке).

Произведения Мурзина А.А. хранятся во многих музеях Российской Федерации.

​Карта Китайской Империи, Германия, 1760-е гг.
55 х 62,5

Гравюра "Карта Богатейшей Китайской империи", Германия, Аугсбург, 1760-е годы.

Размер: 52 х 59 см.

Размеры в раме: 55 х 62,5 см.

Автор - Георг Маттиас Зойттер (1678-1757).

Георг Маттиас Зойттер (Georg Matthias Seutter) – немецкий картограф и издатель, один из самых знаменитых картографов в Европе XVIII века. Георг - один из крупнейших граверов-картографов и издателей Германии, основатель аугсбургской картографической школы. Маттиас Зойтер родился в семье ювелира, учился ремеслу у известного картографа Иоанна Б. Хоманна из Нюренбурга (Johann B. Homann, 1663-1724), работая его подмастерьем. После обретения достаточного опыта Маттиас Зойттер вернулся в родной город и работал в издательском доме Иеремии Вольфа (Jeremias Wolff), а после, в 1707 году основал свое собственное печатное дело. В 1710 году он начал выпускать карты и к 1728 году фирма Маттиаса Зойтера прославилась благодаря изготовлению высококачественных атласов и глобусов. Зойтер опубликовал "Точный Географический Атлас", Большой и Малый Атласы (Geographicus Accurate, Atlas Minor, Major Atlas). В 1732 году Германский император Карл VI (1685-1740) в награду за успешную работу назначил Зойтера придворным картографом. Карты Зойтера являются лучшими образцами "золотого века" немецкой картографии.

Хамдамов Р.У., "Дама с веером", 2025 г.
50 х 50

Россия, Хамдамов Р.У., "Дама с веером", 2025 год.

Холст, акрил.

Размер: 50 х 50 см.

Размер в раме: 65 х 65 см.

Хамдамов Рустам Усманович (р. 1944) — советский и российский кинорежиссёр, сценарист, художник, создатель оригинального ассоциативного, метафорического и визуального киноязыка. После школы поступил во Всесоюзный государственный институт кинематографии, который окончил в 1969 году. Во время учебы снял фильм «В горах мое сердце» и почти сразу же получил самостоятельную постановку на «Мосфильме» по перспективному сценарию Андрея Кончаловского и Фридриха Горенштейна.

Снятый материал не был принят к показу, однако на основе отснятого Хамдамовым материала Никита Михалков снял свой фильм — «Раба любви». В 1991 году Хамдамова заметил Сергей Соловьев, художественный руководитель студии «Круг» киноконцерна «Мосфильм», и предложил ему запуск фильма. Скоро появился сценарий полнометражного художественного фильма «Анна Карамазофф». Картина с Жанной Моро в главной роли впервые была представлена на Каннском кинофестивале. Этот фильм был одним из главных претендентов на Гран-при фестиваля и получил восторженные отклики элитарных критиков.

В начале 1990-х годов по приглашению мэрии столицы Франции два года жил и работал в Париже, где был признан лучшим художником мира 1991–1996 годов и в 1992 году получил грант Жака Ширака для выдающихся деятелей мировой культуры мэрии города Парижа. Хамдамов создавал эскизы украшений для домов высокой моды Милана, Парижа, Нью-Йорка, проектировал ювелирные изделия для американской компании “Russian World Gallery”.

В 1997 году был удостоен самой престижной национальной независимой премии «Триумф» как художник, сценарист и кинорежиссёр. В 2003 году был удостоен гран-при «Культурное достояние нации». В этом же году стал первым в истории российским художником, работы которого при жизни были приняты в современную коллекцию Эрмитажа. В 2005 году закончил фильм-концерт «Вокальные параллели», который был представлен на внеконкурсном показе Венецианского фестиваля.

В 2005–2006 годах у Рустама Хамдамова прошел ряд выставок в городах России, Лондоне, Нью-Йорке, Милане и Червиа. Сегодня Рустам Хамдамов живет и работает в России. Он много работал в театральных постановках как художник по костюмам с такими режиссерами, как А. Кончаловский, Ю. Любимов, И. Поповски. Выставки по всему миру, признание мировых критиков — сегодня картины Хамдамова стали настоящим сокровищем и пользуются большой популярностью у многих ценителей искусства. Его работы находятся в коллекциях Государственной Третьяковской галереи, американском музее Роткерс Юниверсити (коллекция Зиммерли), Национальной итальянской галерее в Равенне, в галереях Парижа, Лондона, а также в огромном количестве частных коллекций в разных уголках мира.

Шультце И.Ф., «Зимний солнечный день», 1920-1930-е гг.
65,5 х 81

Иван Федорович Шультце, «Зимний солнечный день», 1920-1930-е годы.

Холст, масло.

Размер: 65,5 х 81 см.

Справа внизу подпись: «Iw.F. Choultse».

Имеется экспертиза.

Талант Ивана Федоровича сформировался под большим влиянием К.Я. Крыжицкого и А.И. Куинджи. При этом он смог найти свой узнаваемый стиль в живописи.

Особое внимание в своих картинах Шультце уделял оптическим эффектам, мастерски изображая рассветы, закаты, лунный свет. В творчестве художника зимние пейзажи занимают важное место. Писать их Шультце начал еще в России и продолжил развивать эту тему в эмиграции. Современники художника по достоинству оценили талант Шультце, назвав его «поэтом снега и солнца». Переехав во Францию, он быстро заслужил успех у публики. «В профильном издании "Chroniques des Arts et de la Curiosite" за 1922 год Иван Федорович Шультце был представлен как один из ярчайших пейзажистов современности, со своим неповторимым светоощущением и романтизмом».

Шультце Иван Федорович (1874-1939) - живописец, пейзажист. Учился в СПб у К.Я. Крыжицкого. Принимал участие на выставках Академии Художеств, Общества им. К.Я. Крыжицкого, Товарищества художников, на 1-ой и 2-ой выставках Общества художников-индивидуалистов. В начале 1920-х И.Ф. Шультце поселился во Франции.

Выставлялся в Салоне общества французских художников (1923-1924), галерее Magellan (Париж, 1921). Провел персональные выставки в Париже (1922,1923),Лондоне (1927), Нью-Йорке (1928, 1931), Чикаго (1933) и др. Произведения художника представлены в Вашингтонском государственном художественном музее, Мемориальном музее-квартире академика И.П. Павлова Института физиологии им. И.П. Павлова РАН, Сумском областном художественном музее им. Н.Х. Онацкого, Дагестанском музее изобразительных искусств им. П.С. Гамзатовой, собрании художественного колледжа Finch, Государственном музее Hillwood, Музее изобразительного искусства в Индианаполисе, Музее Baburizza в Чили, в Монреальском музее изящных искусств и других музейных и частныхколлекциях.

Представляет собой музейную и коллекционную ценность.

Гермашев М.М., «Зимой во дворе», 1900-1910-е гг.
70,5 х 79,8

Россия, Гермашев Михаил Маркианович, «Зимой во дворе», 1900-1910-е годы.

Холст, масло.

Размер: 70,5 х 79,8 см.

Гермашев Михаил Маркианович (1867-1930) - русский художник-пейзажист. Окончил Московское училище живописи, ваяния и зодчества. До начала 1920-х годов жил и работал в Москве. Входил в московский художественный кружок «Среда» и МТХ. В 1897 году получил первую премию МОЛХ за картину «Снег выпал», которую приобрел Третьяков П.М. Работы художника неоднократно воспроизводились в дореволюционной печати («Нива», «Огонек», «Живое слово» и др.). С начала 1920-х годов поселился в Париже. Выставлялся в салонах Национального общества изящных искусств и Общества французских художников.

Работы Гермашева М.М. находятся в собраниях Государственной Третьяковской галереи, художественных музеев Краснодара, Иванова, Иркутска, Костромы и др., в частных коллекциях.

Скульптура «Г.С. Уланова в балете "Лебединое озеро"», СССР, завод «Монументскульптура», 1951 г., Ясон-Манизер Е.А.

Скульптура «Балерина Г.С. Уланова в роли Одетты в балете "Лебединое озеро"», СССР, Ленинград, завод художественного литья «Монументскульптура», 1951 год, Ясон-Манизер Е.А.

Бронза, литье, чеканка, патинирование.

Высота - 49 см.

На основании надпись: «Е. ЯНСОН-МАНИЗЕР»

Автор модели - Елена Александровна Янсон-Манизер (1890-1971), модель 1940 года.

Это было первое обращение скульптора к созданию образа великой балерины Галины Сергеевны Улановой (1910-1998). Балерина представлена в момент исполнения партии Одетты из балета «Лебединое озеро», партии, в которой ей не было равных. Уланова впервые исполнила роль Одетты в возрасте 19 лет на сцене Мариинского театра - это была первая ведущая партия балерины.

Присутствовавший на спектакле известный советский писатель А.Н. Толстой, потрясенный творческим талантом балерины, назвал ее «обыкновенной богиней». В композиции тонко передано выразительное танцевальное движение, кажется, что фигура балерины, едва касаясь острием носка пьедестала, парит в воздухе. Выразительная композиция, передающая стремительное движение, дополнена точным портретным изображением знаменитой балерины.

Несмотря на то, что позднее скульптором были созданы и другие композиции, посвященные Галине Улановой («Умирающий лебедь», «Тао-Хоа» в балете Р.М. Глиера «Красный мак» и др.), именно эта композиция считается наиболее удачной. В 1984 у здания Театра Танца в Стокгольме была установлена в монументальных размерах именно эта композиция – первый и единственный памятник русскому человеку за границей, поставленный при жизни.

Елена Александровна - известный скульптор. Она окончила гимназию в 1911 году, поступила на частные архитектурные курсы Е.Ф. Багаевой в Санкт.- Петербурге. Училась на архитектурном факультете Политехнического института (с 1914), и, не окончив его, в 1917 перешла на архитектурный факультет Академии Художеств в Петрограде.

В1921 году училась на скульптурном факультете в мастерской знаменитого скульптора М.Г. Манизера в 1922, в 1926 стала его женой. В 1924 году участвовала в конкурсе проектов памятника В.И. Ленину у Финляндского вокзала получила пятую премию. В 1925 году окончила Академию художеств, представив на защите дипломной работы четыре скульптурных произведения. Создавала портреты, монументально-декоративные рельефы, медали, станковые композиции. В конце 1920-х годов. в творчестве скульптора значительное место начинает занимать тема спорта, тема, которой в эти же годы был увлечен М.Г. Манизер. Были выполнены статуэтки «Старт в воду», «Баскетболистка», «Ядротолкатель» (1926), которые в 1930-х годах были увеличены, отлиты в бронзе и установлены в парках культуры и отдыха Москвы и Ленинграда. Автор скульптурной группы «Две физкультурницы» (1937). Участвовала в оформлении станции метро «Динамо», создала 24 сюжета круглых фарфоровых рельефов, посвященных разным видам физкультуры и спорта.

В 1934-1937 годах ей была создана серия из семи скульптур на тему балетов «Лебединое озеро», «Бахчисарайский фонтан», «Ромео и Джульетта», «Египетские ночи» и др. Исполнила для ЛФЗ (1950-е) серию статуэток: «Гирей сидящий», «Гирей с плащом», «Зарема с зеркалом», «Зарема с кинжалом», «Мария с шарфом», «Мария сидящая». Часть выполненных в фарфоре статуэток позднее была повторена в чугуне. Скулыптуры «Зарема - балерина Каминская», «Майя Плисецкая в танцах персидок», «Испанка с веером» с большим успехом тиражировались (кон. 1950-х-1980-е) в Каслях и Кусе.

Представляет художественную, историко-культурную ценность, имеет музейное, антикварное, коллекционное значение.

Скульптура «Хохлов Б.И. в балете "Спящая красавица"», СССР, завод "Монументскульптура", 1960-е гг., Ясон-Манизер Е.А.

Скульптура "Хохлов Б.И. в роли принца Дезире в балете "Спящая красавица"", СССР, Ленинград, завод художественного литья "Монументскульптура" начало 1960-х годов, Ясон-Манизер Е.А.

Бронза, литье, чеканка, патинирование.

Высота - 47,5 см.

Автор модели - Елена Александровна Янсон-Манизер (1890-1971), модель второй половины 1950-х годов.

На основании надписи: "E. ЯНСОН-МАНИЗЕР ХОХЛОВ", а также клеймо в прямоугольной рамке с надписью: "3-Д «МОНУМЕНТСКУЛЬПТУРА»".

В скульптуре создан выразительный образ Бориса Ивановича Хохлова (22 февраля 1932, Москва - 23 июня 2000, Москва) - артиста балета, педагога, народного артиста РСФСР (1969). Б.И. Хохлов запечатлен в момент исполнения роли Принца Дезире в балете "Спящая красавица". Чёткая графика силуэта отчётливо передаёт движение, жест, ракурс тела, все тончайшие нюансы и детали, из которых слагается выразительный романтический танцевальный образ.

B 1951-1972 годах Хохлов являлся артистом балета Большого театра. Был так называемый "danseur noble" - идеальный исполнитель партий принцев и романтических героев. С ним танцевали Галина Уланова, Раиса Стручкова, Ирина Тихомирнова, Марина Кондратьева, Римма Карельская, Екатерина Максимова, Нина Тимофеева, Наталья Бессмертнова и др. Имел обширный концертный репертуар: хореографические номера в постановке А. Мессерера "Мелодия" на музыку К.В. Глюка, "Весенние воды" на музыку С. Рахманинова, "Вальс" на музыку А. Хачатуряна, Па де труа "Океан и жемчужины" на музыку А. Арендса из балета "Конёк-Горбунок" Ц. Пуни (хореография А. Горского), танец кораллов из балета "Конёк-Горбунок" Р. Щедрина (хореография А. Радунского). В 1972 году завершил артистическую карьеру.

Елена Александровна Янсон-Манизер - известный скульптор. Она окончила гимназию в 1911, поступила на частные архитектурные курсы Е.Ф. Багаевой в Санкт- Петербурге. Училась на архитектурном факультете Политехнического института (с 1914), и, не окончив его, в 1917 перешла на архитектурный факультет Академии Художеств в Петрограде.

В1921 году училась на скульптурном факультете в мастерской знаменитого скульптора М.Г. Манизера в 1922, в 1926 стала его женой. В 1924 Участвовала в конкурсе проектов памятника В. И. Ленину у Финляндского вокзала получила пятую премию. В 1925 году окончила Академию художеств, представив на защите дипломной работы четыре скульптурных произведения. Создавала портреты, монументально-декоративные рельефы, медали, станковые композиции. В конце 1920-х гг. в творчестве скульптора значительное место начинает занимать тема спорта, тема, которой в эти же годы был увлечен М.Г. Манизер. Были выполнены статуэтки "Старт в воду", "Баскетболистка", "Ядротолкатель" (1926), которые в 1930-х гг. были увеличены, отлиты в бронзе и установлены в парках культуры и отдыха Москвы и Ленинграда. Автор скульптурной группы "Две физкультурницы" (1937). Участвовала в оформлении станции метро «Динамо», создала 24 сюжета круглых фарфоровых рельефов, посвященных разным видам физкультуры и спорта.

В 1934-1937 ей была создана серия из семи скульптур на тему балетов "Лебединое озеро", "Бахчисарайский фонтан", "Ромео и Джульетта", "Египетские ночи" и др. Исполнила для ЛФЗ (1950-е) серию статуэток: "Гирей сидящий", "Гирей с плащом", "Зарема с зеркалом", "Зарема с кинжалом", "Мария с шарфом", "Мария сидящая". Часть выполненных в фарфоре статуэток позднее была повторена в чугуне. Скулыптуры "Зарема - балерина Каминская", "Майя Плисецкая в танцах персидок", "Испанка с веером" с большим успехом тиражировались (кон. 1950-х-1980-е) в Каслях и Кусе.

В 1970 заводу "Монументскульптура" было присвоено М.Г. Манизера.

Следует отметить, что данная модель редко исполнялась в бронзе. Экземпляр в гипсе хранится в Музее Государственного академического Большого театра России (ГАБТ КП-3466/42).

Представляет художественную, историко-культурную ценность, имеет музейное, антикварное, коллекционное значение.

Скульптура "Юрий Власов", СССР, завод "Монументскульптура", 1962 г., Манизер М.Г.

Скульптура "Юрий Власов", СССР, Ленинград, завод художественного литья "Монументскульптура", 1962 год, Манизер М.Г.

Бронза, литье, патинирование.

Высота - 37,0 см.

Основание - 11,6 х 9,3 см.

Автор модели - Манизер Матвей Генрихович.

Первый вариант модели скульптуры был создан М.Г. Манизером в 1957 году. Модель с подписью скульптора и литейщика Иванова, а также надписью "Ю. Власов", была тогда же исполнена в бронзе ограниченным тиражом. Спустя три года, на летних Олимпийских играх в Риме (на соревнованиях по тяжёлой атлетике, которые прошли среди мужчин с 7 по 10 сентября 1960 года), 25-летний советский тяжелоатлет Юрий Власов установил мировой рекорд в троеборье - 537,5 кг. В том же году за спортивные достижения Власов был удостоен Ленинской премии.

Яркая победа спортсмена, очевидно, явилась творческим импульсом для возвращения скульптора к образу спортсмена, причём новая модель была создана с натуры. Власов позднее в книге "Гибель генерала. Огненный крест" отмечал: "После XVII Олимпийских игр в Риме (1960) меня зазвал попозировать Матвей Генрихович Манизер - в ту пору вице-президент Академии художеств СССР, известный скульптор (в 30 городах стояли монументы Ленина его работы). Результат того позирования хранится у меня бронзовой копией". С 1962 года модель исполнялась в бронзе и силумине на заводе "Монументскульптура".

Юрий Петрович Власов (1935-2021) - советский тяжелоатлет, русский писатель, российский политический деятель. Заслуженный мастер спорта СССР (1959). Выступал за ЦСКА. Тренеры: Евгений Николаевич Шаповалов, с 1957 года - Сурен Петросович Богдасаров. Выступал в тяжёлом весе. Олимпийский чемпион (1960), серебряный призёр Олимпийских игр (1964). 4-кратный чемпион мира (1959, 1961-1963). 6-кратный чемпион Европы (1959-1964; в неолимпийские годы чемпионаты проводились в рамках чемпионатов мира). 5-кратный чемпион СССР (1959-1963). Установил 31 рекорд мира и 41 рекорд СССР (1957-1967). Знаменосец делегации СССР на открытии Олимпийских игр 1960 и 1964 годов. С 1959 года занимался литературной, а с середины 1980-х годов по 1996 год - общественной и политической деятельностью. Возглавлял Федерацию тяжёлой атлетики СССР (1985-1987) и Федерацию атлетической гимнастики СССР (1987-1989). Народный депутат СССР (1989-1991), депутат Государственной думы РФ (1993-1995).

​Гравюра «Кремль, Москва», Англия, 1815 г.
33,3 х 47,3

Гравюра «Кремль, Москва» («The Kremlin, Moscow»), Англия, Лондон, 1815 год.

Акватинта.

Размер изображения: 23 х 33 см.

Размер листа: 33,3 х 47,3 см.

Подпись под изображением: «Рublish’d by R.Bowyer Раll Маll 1815».

Роберт Боуэр (Robert Bowyer; 1758-1834) - английский xудoжник, гpaвер и издaтель.

B 1810-е годы Боуэр пoдгoтoвил и издал нecкoлькo видoв pуcских гopодов сделанных по картинам различных художников, так как после побед над Наполеоном в Европе оживился интерес к России.

На гравюре представлен живописный вид на Кремль со стороны Москвы-реки. Эта гравюра - один из первых видов отстраивающейся послепожарной Москвы.

Гравюра напечатана в типографии Роберта Боуэра, расположенной на центральной улице Сент-Джеймсского квартала в Вестминстере Пэлл-Мэлл (Pall Mall), о чем свидетельствует надпись под изображением. В викторианскую эпоху Пэлл-Мэлл считалась центром художественной жизни Англии, так как именно на этой улице в XIX веке располагались Королевская академия художеств и Национальная галерея.

Роберт Боуэр - известный британский миниатюрист и издатель. Начинал как самоучка, затем учился у Дж. Смарта. С 1789 года был придворным акварелистом короля Георга III и миниатюристом королевы Шарлотты. В своих художественных изданиях пропагандировал национальную историческую живопись.

Модель самолета "Spirit of St.Louis", Франция, фирма "Daum", XX век, К. Фроссарт

Модель самолета "Spirit of St.Louis", Франция, Лотарингия, Нанси, фирма "Дом" ("Daum"), XX век, К. Фроссарт.

Хрусталь.

Размеры:

Длина - 33 см.

Ширина - 38 см.

Высота - 10 см.

Автор модели - Ксавье Фроссарт (Xavier Froissart), модель 1989 года.

Ограниченная серия, всего произведено 250 штук.

Один из самых востребованных коллекционерами проектов "Daum" 1980-х годов, модель самолета "Spirit of Saint Louis" Линдберга является самой сложной из всех созданных ими изделий. Самая хрупкая часть всего самолета - пропеллер, который легко ломается, особенно при транспортировке.

Ксавье Фроссарт - современный французский дизайнер, художник и архитектор. Родился в 1951 году. Обладатель золотой медали Общества французских художников в Париже (1976 год).

"Spirit of St. Louis" (в переводе - "Дух Сент-Луиса") или "Ryan NYP" (от англ. "New York to Paris" - "Нью-Йорк - Париж") - одноместный самолёт с одним двигателем производства "Ryan Airlines", который был сконструирован специально для первого беспосадочного одиночного перелёта из Нью-Йорка в Париж (на расстояние 5810 км). Полёт через Атлантику состоялся 20-21 мая 1927 года. Он продолжался 33 часа 30 минут от аэродрома Рузвельта (Лонг-Айленд, Нью-Йорк) до парижского аэродрома Ле-Бурже. Самолёт пилотировал американец Чарльз Линдберг. Полёт считается важной вехой в истории авиации. О Линдберге как о национальном герое писали все американские газеты. Ныне самолёт Линдберга выставлен на всеобщее обозрение в Национальном музее авиации и космонавтики в Вашингтоне.

Скульптура "Мужичок", Россия, фабрика Сафронова А.Т., 1830-е гг.

Скульптура "Мужичок", Россия, фабрика Сафронова А.Т., 1830-е годы.

Фарфор (бисквит), лепка, роспись надглазурная полихромная.

Высота - 15 см.

Фарфоровый завод Сафронова был основан в 1814 году крестьянином Антоном Трофимовичем Сафроновым в деревне Короткой Богородского уезда Московской губернии. После смерти основателя он перешёл во владение его родственника Ильи Абрамовича Сафронова. Завод просуществовал до 60-х гг. XIX века. По качеству продукции он считался одним из лучших заводов Гжели, определяя, по сути, лицо этого района. На выставке мануфактурных изделий в Москве в 1849 году завод Сафронова за свою продукцию был удостоен публичной похвалы и одобрения. Изделия фарфорового завода Сафронова отличало высокое качество художественной росписи. Из-за сравнительно небольшого срока, который просуществовал фарфоровый завод Сафронова, его изделия представляют собой сейчас большой коллекционный интерес.

Парные скульптуры «Мужик, плетущий лапоть» и «Пряха», Россия, завод «Попова А.Г.», XIX век

Парные скульптуры «Мужик, плетущий лапоть» и «Пряха», Россия, село Горбуново Дмитровского уезда Московской губернии, завод «Попова А.Г.», середина XIX века.

Фарфор (бисквит), лепка, роспись надглазурная полихромная.

Размеры скульптуры «Мужик, плетущий лапоть»:

Высота - 14 см.

Основание - 9,5 х 7,5 см.

Размеры скульптуры «Пряха»:

Высота - 13,7 см.

Основание - 9,5 х 7,5 см.

Марка в тесте - штамп в виде слитно написанных букв «АП».

Подмосковный завод Алексея Гавриловича Попова был одним из лучших российских предприятий XIX века, наряду с заводом Ф.Я. Гарднера. Многие технические и художественные приемы декора этого завода свидетельствуют о влиянии французского и немецко-австрийского фарфора первой трети XIX века, ранние изделия были выдержаны в стиле классицизма. Чайная посуда имела самые разнообразные формы, она декорировалась тончайшей пейзажной и сюжетной живописью.

Уже в 1806 году Милли продал завод купцу Алексею Гавриловичу Попову. Попов создавал только фарфор: сервизы, вазы, скульптуру, чернильницы и флаконы для духов. В производстве фарфоровой массы использовался глуховский каолин, а глазурь была высокого качества. В противовес ИФЗ и заводу Гарднера завод Попова был ориентирован более широкий круг потребителей, выпуская более демократичный ассортимент изделий. На заводе Попова была впервые в России создана лаборатория по производству красок, разработавшая каштановый, ярко-синий и зеленый цвета, характерные для этого завода.

Первыми изделиями завода были простые трактирные сервизы, украшенные лишь тонко позолоченной каймой с листьями и итальянскими пейзажами, написанными коричневыми штрихами. Декор основывался на английских моделях. Завод Попова первым наладил выпуск трактирных сервизов, покрытых сплошным фоном и украшенных мушелью - вставками-медальонами с цветочными букетами. Расцвет поповского фарфора приходится на вторую треть ХІХ века.

​Стакан "В честь 200-летия Санкт-Петербурга", Россия, завод "Братьев Корниловых", 1903 г.

Стакан "В честь 200-летия Санкт-Петербурга", Россия, завод "Братьев Корниловых", 1903 год

Фарфор, роспись надглазурная полихромная, печать, позолота.

Высота - 11.7 см.

На донце марка производителя "№74", и подпись "Made in Russia byKornilowBros".

Стакан создан в честь памятной даты - 200 лет со дня основания Санкт-Петербурга.

Сюжет стаканов выполнен по рисункам художника Каразина Н.Н. (1842-1908).

С лицевой стороны, стакан имеет изображение герба Санкт-Петербурга в виде геральдического красного щита с двумя скрещенными серебряными якорями - морского и речного и золотым скипетром с двуглавым орлом. Внизу расположена юбилейная надпись «1703–1903». В левой части от герба изображена Петропавловская крепость, являющаяся одной из главных достопримечательностей Санкт-Петербурга, основанной 27 мая 1703 года и связанной с днем основания города. В правой части от герба - Казанский собор, памятник русской воинской славы, построенный накануне Отечественной войны 1812 года. С оборотной стороны - золотой вензель Петра I под императорской короной.

Кабаков И.И., «Лесной пейзаж», 1957-1961 гг.
44,5 х 55,5

СССР, Кабаков И.И., «Лесной пейзаж», 1957-1961 годы.

Холст, масло.

Размер: 44,5 х 55,5 см.

Имеется экспертиза.

Илья Иосифович Кабаков (30 сентября 1933, Днепропетровск - 27 мая 2023, Лонг-Айленд, Нью-Йорк) - всемирно известный советский и американский художник, живописец, график, автор инсталляций, лидер московского концептуализма, главный русский художник последней трети XX - начала XXI века, в художественных иерархиях мировой системы искусства занимает ведущее положение.

Родился в Днепропетровске в семье слесаря Иосифа Бенционовича Кабакова и бухгалтера Берты Юделевны Солодухиной. В 1941 году с родителями попал в эвакуацию в Самарканд. В 1943 году поступил в художественную школу при Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры имени Репина, эвакуированную в Самарканд. В 1945 году Кабакова перевели в Московскую среднюю художественную школу. Окончил МСХШ в 1951 году и поступил на отделение графики в МГАХИ им. В.И. Сурикова, где занимался в мастерской книги у профессора Б.А. Дехтерёва. Окончил институт в 1957 году. С 1956 года иллюстрировал книги для «Детгиза» и для журналов «Малыш», «Мурзилка», «Весёлые картинки». Со второй половины 1950-х годов стал заниматься живописью «для себя». В 1980-е годы сосредоточился на инсталляциях.

В 1990-е годы у Кабакова прошли десятки выставок в Европе и Америке: Центр Помпиду, Норвежский Национальный центр современного искусства, Нью-йоркский музей современного искусства, кёльнский Кунстхалле, а также на Венецианской биеннале и на выставке Documenta в Касселе. В 2000-е годы художник стал активно выставляться в России в ведущих музеях. В 2008 году в Москве была показана самая большая ретроспектива Ильи и Эмилии Кабаковых на трёх площадках: ГМИИ имени Пушкина, Центр современного искусства «Винзавод» и Центр современного искусства «Гараж».

Жил в Нью-Йорке (на Лонг-Айленде) с 1988 года. С 1989 года работал в соавторстве со своей женой Эмилией Кабаковой (урожд. Леках, род. 1945 года). Зарубежный почётный член Российской академии художеств.

Картина «Лесной пейзаж» относится к раннему и очень важному периоду творчества Ильи Кабакова, когда он под сильным влиянием искусства Роберта Фалька подспудно осваивал систему недоступного в то время Сезанна. Она принадлежит к небольшой (10-12 произведений) группе работ, о которых Кабаков вспоминает: «принадлежит к небольшой группе работ, о которых Кабаков вспоминает: рисование "с натуры", сочетание "хорошей" живописи и правды действительности, но в действительности в ослабленном, так сказать, пассивном состоянии "пейзаже, портрете, натюрморте, служащем поводом для изготовления "живописного произведения". Этим я занимался летом<.

Представляет собой историческую и музейную ценность.

Кабаков И.И., Пейзаж с морем и розовым домом, 1957-1961 гг.
49,5 х 58,5

СССР, Кабаков И.И., Пейзаж с морем и розовым домом (Пейзаж в Хосте), 1957-1961 годы.

Холст, масло.

Размер: 49,5 х 58,5 см.

Имеется экспертиза.

Илья Иосифович Кабаков (30 сентября 1933, Днепропетровск - 27 мая 2023, Лонг-Айленд, Нью-Йорк) - всемирно известный советский и американский художник, живописец, график, автор инсталляций, лидер московского концептуализма, главный русский художник последней трети XX - начала XXI века, в художественных иерархиях мировой системы искусства занимает ведущее положение.

Родился в Днепропетровске в семье слесаря Иосифа Бенционовича Кабакова и бухгалтера Берты Юделевны Солодухиной. В 1941 году с родителями попал в эвакуацию в Самарканд. В 1943 году поступил в художественную школу при Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры имени Репина, эвакуированную в Самарканд. В 1945 году Кабакова перевели в Московскую среднюю художественную школу. Окончил МСХШ в 1951 году и поступил на отделение графики в МГАХИ им. В.И. Сурикова, где занимался в мастерской книги у профессора Б.А. Дехтерёва. Окончил институт в 1957 году. С 1956 года иллюстрировал книги для «Детгиза» и для журналов «Малыш», «Мурзилка», «Весёлые картинки». Со второй половины 1950-х годов стал заниматься живописью «для себя». В 1980-е годы сосредоточился на инсталляциях.

В 1990-е годы у Кабакова прошли десятки выставок в Европе и Америке: Центр Помпиду, Норвежский Национальный центр современного искусства, Нью-йоркский музей современного искусства, кёльнский Кунстхалле, а также на Венецианской биеннале и на выставке Documenta в Касселе. В 2000-е годы художник стал активно выставляться в России в ведущих музеях. В 2008 году в Москве была показана самая большая ретроспектива Ильи и Эмилии Кабаковых на трёх площадках: ГМИИ имени Пушкина, Центр современного искусства «Винзавод» и Центр современного искусства «Гараж».

Жил в Нью-Йорке (на Лонг-Айленде) с 1988 года. С 1989 года работал в соавторстве со своей женой Эмилией Кабаковой (урожд. Леках, род. 1945 года). Зарубежный почётный член Российской академии художеств.

Картина «Пейзаж с морем и розовым домом» («Пейзаж в Хосте») относится к раннему и очень важному периоду творчества Ильи Кабакова, когда он под сильным влиянием искусства Роберта Фалька подспудно осваивал систему недоступного в то время искусства Сезанна.

«Пейзаж с морем и розовым домом» принадлежит к небольшой группе работ, о которых Кабаков вспоминает: рисование "с натуры", сочетание "хорошей" живописи и правды действительности, но в действительности в ослабленном, так сказать, пассивном состоянии "пейзаже, портрете, натюрморте, служащем поводом для изготовления "живописного произведения". Этим я занимался летом.

Работа происходит из собрания Галины Даниловны Ивановской, дружившей в юности с Ильей Кабаковым, Эриком Булатовым и Олегом Васильевым, которые дарили ей свои произведения.

Представляет собой историческую и музейную ценность.

Next page
Meandr-antik.ru использует cookies для персонализации и удобства пользователей. Пользуясь данным сайтом, Вы даёте согласие на обработку персональных данных и соглашаетесь с политикой обработки персональных данных.
Ок